PLAYLIST

Playlist a cura di Guia Cortassa

2010-06-01T01:43:00.000-07:00

giovedì 20 maggio
h 8.00 pm

BRIT POP ART 1985 – 2010

Quando è uscito “Country House” Damon Albarn aveva circa la stessa mia età in questo momento, e io esattamente la metà dei suoi anni. Ancora non sapevo che l'arte sarebbe stata la mia strada: per me, è venuta prima la musica, il Brit Pop. Erano gli anni '90, quelli del New Labour e della Young British Art; gli anni in cui il Regno Unito viveva una nuova esperienza sinestetica, un deja-vu di quella che trent'anni prima era stata la “Swingin' London”, un'unità di intenti tra forze intellettuali che cercano legittimazione nelle diverse classi sociali del paese. Inevitabilmente, arte e musica ricominciarono a viaggiare unite. Non più solo copertine e foto su giornali scandalistici però, il terreno fertile per la nuova contaminazione, ora, è quello del videoclip: arte e musica possono ormai entrare nelle case di ogni abitante del pianeta grazie alla televisione. Dalle prime sofisticate sperimentazioni di Derek Jarman, che con Smiths e Suede chiude gli anni Ottanta per inaugurare il decennio successivo, alla rivincita del POP della YBA, che sfonda il muro del nuovo millennio, fino alla ricerca attuale di artisti come Matthew Stone, erede dei “giovani” degli anni Novanta ma con un occhio fisso sul Caravaggio, tanto caro al mercuriale Jarman; non senza un omaggio un Old Master come L.S. Lowry, e uno sconfinamento dallo schermo alla galleria stessa, in un cerchio i cui capi tendono – come in un paradosso di Zenone – ad avvicinarsi sempre di più senza mai tuttavia riuscire a congiungersiQuando è uscito “Country House” Damon Albarn aveva circa la stessa mia età in questo momento, e io esattamente la metà dei suoi anni. Ancora non sapevo che l'arte sarebbe stata la mia strada: per me, è venuta prima la musica, il Brit Pop. Erano gli anni '90, quelli del New Labour e della Young British Art; gli anni in cui il Regno Unito viveva una nuova esperienza sinestetica, un deja-vu di quella che trent'anni prima era stata la “Swingin' London”, un'unità di intenti tra forze intellettuali che cercano legittimazione nelle diverse classi sociali del paese. Inevitabilmente, arte e musica ricominciarono a viaggiare unite. Non più solo copertine e foto su giornali scandalistici però, il terreno fertile per la nuova contaminazione, ora, è quello del videoclip: arte e musica possono ormai entrare nelle case di ogni abitante del pianeta grazie alla televisione. Dalle prime sofisticate sperimentazioni di Derek Jarman, che con Smiths e Suede chiude gli anni Ottanta per inaugurare il decennio successivo, alla rivincita del POP della YBA, che sfonda il muro del nuovo millennio, fino alla ricerca attuale di artisti come Matthew Stone, erede dei “giovani” degli anni Novanta ma con un occhio fisso sul Caravaggio, tanto caro al mercuriale Jarman; non senza un omaggio un Old Master come L.S. Lowry, e uno sconfinamento dallo schermo alla galleria stessa, in un cerchio i cui capi tendono – come in un paradosso di Zenone – ad avvicinarsi sempre di più senza mai tuttavia riuscire a congiungersi

Video listing:

"Three Songs by The Smiths", regia di Derek Jarman, 1986
Suede "So young", regia di Derek Jarman, 1993
Blur "Country House", regia di Damien Hirst, 1995
Pulp "Help the Aged", Art Director John Currin, 1997
Blur "Good Song", animazione di David Shrigley, 2003
Franz Ferdinand "Do you want to?", 2005
Babyshambles "The Blinding", 2006
Oasis "The Masterplan", 2006
The Peth "Let's go fucking mental", regia di Jake Chapman, 2008
Spiritualized "You Lie You Cheat", regia di Jake Chapman, 2008
The Hours "See the Light", Art Director Damien Hirst, 2009
P.J. Harvey & John Parish "Black Hearted Love", regia di Jake&Dino Chapman, 2009
These New Puritans "Attack Music", regia di Matthew Stone, 2010

Playlist a cura di Valentina Tanni

2010-06-01T01:38:00.000-07:00

giovedì 29 aprile
h 8.00 pm

Surreel

"Al mondo succedono le cose più incredibili. Talvolta manca persino la minima ombra di verosimiglianza." (Nikolaj Gogol', Il Naso, 1832)

La travagliata storia d'amore tra un cane e un gatto, ambientata in futuro lontano e raccontata in 23 brevissimi episodi. Una famiglia alle prese con le gioie e i dolori della sinestesia, tra cibi da ascoltare, libri da mangiare, scintille e cortocircuiti. Un orco verde e tridimensionale che prende un rasoio e coverizza Buñuel, sotto lo stesso chiaro di luna. Creature fantastiche e divinità dei boschi viaggiano tra terra e acqua, alle prese con strani pesci di cartapesta. Zio Jesse sotterra dinamite mentre scorrono liquidi verde acido e una creatura aliena si nasconde dietro le siepi. Un uomo in frac con un grande casco luminescente balla il tip tap in un museo deserto.
Un viaggio attraverso le caleidoscopiche declinazioni del surreale. Sogni, visioni, realtà parallele e mondi possibili.

David O'Reilly, Please Say Something, 2009, 10 min. Courtesy David O'Reilly.
Terry Timely, Synesthesia, 2009, 4 min. Courtesy Terry Timely.

Ciprian Muresan, Un chien andalou, 2004, 0.52 min. Courtesy Ciprian Muresan / Prometeogallery, Milano.

Tobias Stretch, Weird Fishes, 2008, 6 min. Music by Radiohead. Courtesy Tobias Stretch.

Invernomuto, B.O.B – Chapter One, Two and Three, 2010, 2,32 min. Voice over: John Duncan. Courtesy Invernomuto / Galleria Patricia Armocida, Milano.

Boris Achour, Conatus: La nuit du danseur, 2009, 4,10 min. Courtesy Boris Achour / Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois.

Playlist a cura di Lorenzo Bruni

2010-04-22T03:41:00.000-07:00

giovedì 22 aprile
ore 8.00 pm

Rumore bianco

Tra le molte etichette che a livello mediatico sono state usate per descrivere le nuove generazioni dalla fine degli anni Ottanta ad oggi quella che ritorna più frequentemente è la 'mtv generation'. In effetti la novità di fruire, e ultimamente gestire e distribuire, immagini in movimento che testimoniano un evento particolare è molto forte sulla percezione della nostra realtà. Questa riflessione apre ulteriori questioni se pensiamo che l’evento in questione è quello della performance musicale e del concerto. Lo stabilire una relazione particolare e non solo soggettiva/immaginativa tra suono e immagine (immagini delle copertine dei dischi e le sequenze dei videoclip e dei video dei live concert poi) come un'unica esperienza pur essendo due dimensioni parallele ha permesso, di pari passo alle novità tecnologiche, di effettuare una grande sperimentazione che si è dovuta con il tempo sempre più confrontare con la grande capacità del pubblico di reagire quasi in presa diretta. La playlist a cura di Lorenzo Bruni vuol suggerire differenti strade con cui indagare e riflettere su questa relazione tra suono e immagine e di conseguenza tra individuo e pubblico, tra azione e sua documentazione e nuova lettura. Per questo motivo saranno presenti tre postazioni che presenteranno una serie di videoclip in un computer, la proiezione in loop di una playlist commissionata appositamente a Wolfgang Berkowski e una riflessione di Lorenzo Bruni sui sette video di altrettanti artisti contemporanei.

Playlist commissionata da Lorenzo Bruni a Wolfgang Berkowski: Cindy Smith, 'The Governess', 2005; Victoria Fu, 'Selfportrait', 2007; Slater Bradley, 'Intermission', 2005; Wolfgang Berkowski, 'Veduta (0:0)', 2007; Francis Ford Coppola, 'La Conversazione' (estratto), 1974; Lina Wertmüller,'I Basilischi' (estratti), 1963. Questi video propongono un momento di rottura nella associazione oramai accettata come identità abituale fra immagine e suono e sul portare alle estreme conseguenze l’interpretazione oggettiva di un fatto, di un gesto con cui poter ricostruire una realtà perduta.

I video che giovedì saranno presentati da Lorenzo Bruni in relazione alla scelta di Wolfgang Berkowski: Joanna Billing, 'Magical World', 2001; Michael Fliri, 'I saw the light', 2008; Marinella Senatore, 'All the things I need', 2006; Robert Pettena, 'Bag Pipe', 2003; Manon De Boer, 'Presto, perfect sound' 2006; Vasco Araujo, 'The girl of golden west', 2004; Paolo Parisi, 'Il problema della condivisione dello spazio disponibile in architettura e rispetto al colore della pittura ... e il pulviscolo atmosferico (Sinfonia)', Firenze, Chiostro dello Scalzo, mercoledì 3 febbraio 2010. Il centro di queste opere è il dare corpo e forma all’esperienza immateriale della musica e soprattutto riflettere sul rapporto tra contesto, istante temporale, esecutore e spettatore. Per questo i video sono accomunanti dal tentativo da parte degli artisti di creare le condizioni per abbattere la distanza tra spettatore, autore ed esecutore permettendo di conseguenza di riflettere sul ruolo dell’artista e società in cui agisce.

Playlist a cura di Cecilia Canziani

2010-04-22T03:40:00.000-07:00

marted' 20 aprile
ore 8.00 pm

Una macchina da presa interroga il paesaggio: è il piano sequenza con cui si apre Notte e nebbia. Questo documentario che Sigfried Kracauer annoverava tra i film che pur non potendo impedire il ripetersi degli eventi, ne redimono la memoria, introduce i temi che la mia selezione affronta: a cosa affidiamo la memoria, o meglio, che cosa assolve, oggi, alla funzione di monumento? Come interroghiamo la storia? In che modo il paesaggio ne restituisce l’impronta? Come impediamo che il trascorrere del tempo cancelli la traccia di quanto è occorso? Una volta affidavamo al memoriale, alla statua commemorativa, il compito di testimoniare la realtà. Oggi mi sembra che il documentario – forse proprio perché ha nello svolgersi del tempo la sua specificità – possa meglio interpretarne la funzione. Sono appunti da verificare, e riflessioni ad alta voce, che questa selezione, come è nella natura degli archivi, non intende aprire, ma dischiudere attraverso l’incontro tra lo sguardo di chi ha scelto questi film, e quello di chi li vedrà, martedì.
Cecilia Canziani

Alain Resnais, Notte e nebbia, Francia 1956 (estratti)
Deimantas Narkevicius, The Role of a Lifetime, Lituania 2003
Pier Paolo Pasolini, Comizi d’amore, Italia 1965 (estratti)
Milo Adami e Luca Scivoletto, A nord est, Italia 2010

Playlist a cura di Harpa Projects

2010-04-02T07:19:00.000-07:00

Flashing Bulbs

25 marzo 2010
ore 7.30 pm

Flashing Bulbs vuole essere un esercizio sul concetto di cultura popolare, intesa non solo nella sua versione “consumistica” e mediatica, di derivazione 60s, postmoderna (fatta di elettrodomestici, programmi televisivi e scatole di surgelati), ma in un'accezione più ampia, che associa il nuovo Pop alle tradizioni popolari e a forme culturali nazionali e locali. In questo senso il manifesto dell’Avantpop, redatto da Mark Amerika, può rivelarsi utile, mostrando l’evolversi del postmoderno verso un atteggiamento in qualche modo più ponderato verso il pop (ossia da “children of mass media”, né totalmente critici, né totalmente passivi) e soprattutto nel suo mescolare materiali provenienti dai mass media facendo uso di tecniche sperimentali o avanguardistiche (come ad esempio, nella nostra sequenza, George Barber con il suo cut up di found footage). Abbiamo cercato di includere diversi aspetti e filoni della cultura popolare: dalla fantascienza (Mark Aerial Waller) alla pubblicità /cinema di serie B (George Barber), dal concetto stesso di celebrità e popolarità (come nel caso di “Bronson” film diretto da Nicolas Winding Refn), a quello dell’ adolescenza, con i suoi miti e il suo oscillare tra underground e mainstream (Andrea Dojmi), dall'entertainment ( qui rappresentato da uno dei più corrosivi comici americani, Bill Hicks), alla nostalgia per l'iconografia popolare di una nazione (Alice Randall). Pratiche e fenomeni così disparati sono tuttavia accomunati - in questa sequenza che mette insieme video d’artista e spezzoni di film e spettacoli - anche da una certa sensibilità nostalgica ed ironica.

Video selezionati:

George Barber, Losing Faith, 2008; Andrea Dojmi, Alan walks to a RED point, 2007; Bill Hicks, Sane Man, 1989; Alice Randall, See England First, 2004; Mark Aerial Waller, Superpower Dakar Chapter, 2004; Nicolas Winding Refn, Bronson, 2009

Harpa projects è: Gabriella Arrigoni e Michela Gulia.

Playlist a cura di Viana Conti

2010-04-02T07:05:00.000-07:00

18 marzo 2010
ore 7.30 pm

Jeff Talman (1954 Greensburg, Pennsylvania), video Mirror of the Moon/Specchio della Luna, 2008, durata 20’.
Artista e musicologo statunitense nato in Pennsylvania, Talman qui presenta un video strutturato sull’installazione video_sonoro_interattiva ideata per il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova, nell’ambito dell’Edizione NIME (New Interfaces Musical Expression) 8 – 5/8 giugno 2008.
La sua metodologia operativa si esplica attraverso un work in progress che inizia con la scelta di uno spazio in condizioni di silenzio, se interno, o naturali, se esterno, quindi passa alla registrazione della risonanza delle frequenze, inerenti al luogo o alla materia della struttura che prende in esame, applicandovi un programma di analisi di sonogrammi ideato dal ricercatore svizzero Martin Hairer. È su questo versante che si colloca la videoinstallazione sonora Mirror of the Moon, visivamente strutturata su ventitre riprese dello specchio di mare antistante Villa Croce, poi spettrograficamente proiettate su un supporto cristallino bianco, di forma discoidale, dello stesso marmo del pavimento della sala in cui si mette in opera l’installazione. Successivamente, attraverso l’uso di filtri digitali, si ottengono le stesse frequenze dal suono del mare. Tali frequenze diventano il contenuto sonoro dell’installazione stessa, la voce delle onde del mare, del cui canto risuona l’intero spazio. In tal modo Talman restituisce al luogo la sua dimensione acustica, sensorialmente inudibile se non enfatizzata, arricchita inoltre del suono delle onde. Questa azione di sound_video_light_design trova e amplifica i punti di intersezione di onde sonore esterne e interne, di onde luminose e gravitazionali, espandendo il potenziale sensorialmente percettivo e spazialmente cognitivo dell’uomo. Immaginando, per fare un parallelo, la memoria come uno spazio vuoto da arredare di ricordi, con la reificazione della voce di un luogo Jeff Talman restituisce al contenitore la forma acustica del suo contenuto, ridefinendone così la proprietà e l’essenza estetica. (Viana Conti)

Alexander Hahn (1954, Rapperswil, Svizzera, vive tra Zurigo e New York), video Luminous Point, Guided Tour, 2006, durata 11’58”, Festival della Scienza, su selezione della Fondazione Bogliasco, con la Pro Helvetia - Fondazione svizzera per la Cultura e il Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, 2008, Genova
In Luminous Point – dichiara l’artista - emergono trasformazioni continue di immagini, a partire dalla struttura dei mezzi utilizzati, ma anche da uno stato della materia a un altro, dall’evidenza della rappresentazione al simbolo, fino al rimando psico-sensoriale, attivando così una lettura trasversale dei movimenti di ripresa della videocamera attraverso la dissolvenza dei passaggi sui punti di sutura…Le fonti ora sono sintetiche ora in presa diretta con la realtà. Ricorro anche a un elaboratore di algoritmi per grigliare spazio e visione.
Il linguaggio digitale di Alexander Hahn esprime il punto di sutura tra la ricerca artistica e quella scientifica, azzardando, attraverso spaesamenti temporali e spaziali, ipotesi, apparentemente fantascientifiche, che al contrario non cessano di innervare i loro terminali nel tessuto della mente, della psiche e del sistema neuronale dell’uomo, estendendone le capacità cognitive. Elaboratore attivo di dati e immagini, che l’ubiquità spaziale e temporale delle Reti gli propone senza soluzione di continuità, Hahn raccoglie la sfida di confrontare i termini di rappresentazione oggettiva del reale con quelli di una rappresentazione suggestiva del virtuale. Ibridando radicalmente paesaggi, figure, eventi, colti in tempo reale, con immagini, suoni, film, estratti dal flusso dei silenziosi canali elettronici, Hahn perviene paradossalmente alla creazione di un linguaggio di pura innovazione estetica, linguistica ed epistemologica. Nell’installazione interattiva Luminous Point la sfida percettiva verso lo spettatore comincia già a partire dalle prescrizioni impartite professionalmente dall’artista sulle dimensioni ottimali dello schermo e della sala in cui avrà luogo la proiezione virtuale, pur sapendo che, l’avvolgente tour all’interno dell’appartamento di Hahn in Ludlow Street a New York, è pura simulazione, accadendo nello spazio immateriale e interattivo di un computer, scorrendo lungo filamenti di interconnessione digitale. Questo è sufficiente per dire che quel luogo non esiste? Certamente no. Esiste l’appartamento reale come ne esiste la simulazione virtuale: si tratta di due diverse realtà che si interfacciano. A partire da uno spioncino, in una porta chiusa, si inizia la perlustrazione interattiva, invitati ad entrare in casa per scoprire, tramite un telecomando virtuale, soffitti affrescati, architetture firmate, arredi d’epoca, lo storico dirigibile Hindenburg, precipitato nel 1937 nella catastrofe di Lake Hurst, ma, all’improvviso, anche un lavandino bianco infestato da mosche, un ventilatore immobile, tra crepitìi, scricchiolìi, rumori sinistri di una porta che si chiude, di un interruttore che accende la luce, di un giornale sfogliato durante un viaggio in aeroplano. Presenze incongrue come tracce organiche di animali o insetti avvisano che i virus della vita reale hanno già fatto razza con i virus, non meno insidiosi, del mondo digitale. (Viana Conti)

Mauro Ghiglione (1959, Genova), Low Definition, durata 10’52”, video in loop
Si tratta di una videoproiezione animata di immagini che alternano i volti di trenta figure femminili a trenta date di calendario, scritte in rosso, che scandiscono fotograficamente il giorno più doloroso della propria vita. La richiesta fatta dall’artista ad ogni donna contattata, nella fase progettuale, non verteva sulla causa e sulla motivazione della ferita emotiva, ma unicamente sull’identificazione di giorno, mese, anno. I ritratti della sofferenza, che sfilano sullo schermo, non appartengono ai soggetti interpellati, ma a fotografie di fotografie reperite, nel tempo, sia dall’artista che dalle partecipanti all’opera. Lo scollamento tra volto e numeri drammatizza, nell’ipotesi dell’autore, l’inconciliabilità tra la vulnerabilità umana e la lapidarietà del codice numerico. Nel rapporto tra l’artista e l’alterità, l’individuo e la socialità, l’autenticità e le convenzioni, si formalizza l’interrogativo sulle radici del dolore e sulla permeabilità al sentire in un’era, tanto profondamente segnata dalla robotizzazione tecnologica, da connotarsi come post-human. Nella sua riflessione su una condizione del sentire, come rituale del già sentito, come impersonale ripetizione di un copione, il culto dilagante dell'immagine si delinea come una patologia collettiva, sempre più riferita all’apparenza e sempre meno al valore antropologico. Elemento fondamentale del video e del lavoro di Mauro Ghiglione è la bassa definizione delle immagini, metafora della bassa definizione dei sentimenti e della capacità percettiva del soggetto appartenente a una società dello spettacolo, in cui la realtà si trasforma incessantemente nel suo simulacro. Come il ritratto fotografico rappresenta, anche letteralmente, il ritrarsi del soggetto nell’immagine, rinviando alla sua assenza nel reale, così l’opera di questo artista non cessa di dare immagine e volume a figure emorragiche dell’identità e del sentimento, esasperandone la frizione con il reale. La frequentazione, cercata o indotta, di un’immagine luttuosa può produrre assuefazione, ma anche inadeguatezza al dolore – afferma l’artista - sottraendogli, nel tempo, autenticità. (Viana Conti)

Mauro Ghiglione (1959, Genova), Fog, durata 14’13”, videoproiezione.
La nebbia che dà il titolo al video, e che nel suo scorrimento non cessa di ombreggiare il volto del soggetto, è una metafora visiva dello sconfinamento del sogno nel reale. Reale qui rappresentato da solidi anamorfici ambigui, tanto da rinviare agli spazi impraticabili di Escher, tendenti a sdoppiarsi e triplicarsi, confrontando provocatoriamente i loro spigoli taglienti con la vulnerabile fragilità dell’essere. In una civiltà dell’immagine in cui l’identità ha perduto il suo valore sostanziale per divenire simulacro di superficie, il video formalizza la percezione che tra l’intensità emotiva della figura umana e l’asetticità dell’astrazione geometrica, non ci sia possibilità di interazione e scambio. Alla luce di questo radicale atteggiamento di rifiuto del mondo illusorio delle immagini per un recupero profondo di un sentire attraverso il cuore, nostro, vostro, suo, il ricorrente gesto di copertura del volto con le mani del protagonista, alter ego dell’artista, esprime la volontà di non adeguarsi alla bassa definizione dei parametri e degli stereotipi correnti, per privilegiare auspicabilmente un sentire interiore, individuale e collettivo. Il palesarsi di un ritratto, a volte in una deformazione baconiana, altre nel suo doppio, può anche ricondurre l’osservatore, associativamente, al HYPERLINK "http://it.wikipedia.org/wiki/Test_psicologico_proiettivo" \o "Test psicologico proiettivo" test psicologico proiettivo di Rorschach, finalizzato all’interpretazione, attraverso macchie d’inchiostro, della personalità di un individuo. Le immagini messe in circolo dalle reti telematiche non cesserebbero di attrarre, nella loro bidimensionalità, il volume del reale, che nel suo viaggio nel tempo e nello spazio entrerebbe nella dimensione ipercubica dell’immaginario, come si è rilevato nella recente mostra di Mauro Ghiglione con Franco Vaccari, intitolata Paso Doble, da me curata alla Galleria Michela Rizzo a Venezia. Prende evidenza, nella riflessione dell’artista, l’attrazione fatale tra i dispositivi umani del desiderio e il cinismo inumano del sistema consumistico occidentale. Sul terreno del pensare, del sentire, del comunicare, dell’attendere, Ghiglione trova consonanze con l’immaginario teatrale e letterario di Beckett, Borges, Camus, Joyce, Dick. Nel suo work in progress i dispositivi del desiderio, condizionati e interiorizzati, anche a livello subliminale, da norme sociali e da comportamenti diffusi, avrebbero perduto i loro colori vivi entrando in una zona grigia. (Viana Conti)

Roberto Doati (Genova, 1953) Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”. Terzo testo per video e live electronics tratto da Sindrome scamosciata (2008-2009), composizione della durata complessiva di 21’24”. In questa serie, composta da quattro videocomposizioni intitolate Il transito ostile della luna, 5’10”, Potrete incappare in un contrattempo, 5’10”, Le stelle suggeriscono nuove opportunità, durata 5’10”, Vivrete una settimana all’insegna della stabilità, 5’54”, l’autore ha elaborato il materiale sonoro e visivo del film di Sidney Furie IPCRESS, acronimo di Induction of Psycho-neuroses by Conditioned Reflex under strESS. Ogni capitolo del libro di spionaggio di Len Deighton, da cui viene tratto il film, è intestato da una citazione astrologica, perciò il titolo di ciascuno dei brani che costituiscono la mia serie – annota l’autore - è ricavato dal mio oroscopo per il giorno in cui comincio a lavorare su quel brano. Nella prima videocomposizione dal titolo Il transito ostile della Luna, a intermittenza, si presenta un’immagine tanto incongrua quanto seducente, percepibile a livello subliminale. Nel film, Michael Caine impersona un agente segreto al servizio del governo inglese che, immobilizzato su una sedia, viene sottoposto a un lavaggio del cervello tramite l’ascolto di musica elettronica, a un volume pernicioso, e tramite la visione di figure sintetiche. La parte visiva del mio lavoro - dichiara Doati - prende formalmente avvio da quelle figure per poi divenire uno studio sulla permanenza mentale dell’immagine ed è realizzata coprendo con un cartone nero bucato lo schermo di un televisore acceso e lasciando che l’ampia apertura dell’obiettivo e i rapidi movimenti di camera nel buio registrino delle scie luminose. Dell’opera non esiste partitura scritta per il fatto che la serie viene eseguita dal vivo, cioè live electronics, e pertanto i sincroni o non sincroni con le immagini derivano in gran parte da una pratica improvvisativa. Il complesso dei sintomi che, metaforicamente, concorrono a caratterizzare il quadro visivo della sindrome, si avvale di incursioni a pioggia di tracce cromatiche, di elementi verticali, orizzontali, trasversali, coinvolti in moti rotatori, da sensazioni di perdita di orizzonte, stabilità, centralità, accompagnati acusticamente da gorgoglii, vibrati, frullati, staccati, effetti siderali e magnetici di segnali in lontananza. Roberto Doati esordisce, diciottenne, nell’improvvisazione libera, per poi passare al taglio e montaggio del nastro magnetico. Dopo aver frequentato un corso di Storia dell’Arte Contemporanea tenuto da Germano Celant diventa, dal 1974 al 1980, l’assistente di Ida Gianelli alla Samangallery, riferimento ineludibile del panorama internazionale di arti visive nella Genova degli anni Settanta. Si interessa altresì alla Gestalt, la scuola psicologica, sviluppatasi in Germania tra gli anni Dieci e gli anni Trenta, che maggiormente si impegna sul terreno della conoscenza dei dispositivi di percezione delle forme visive e uditive e delle strutture spaziali e temporali. Dedito alla sperimentazione dei linguaggi elettroacustici, sulla base di simmetrie, ripetizioni, velocità, direzioni, per poter anche lavorare al controllo gestuale sull’elettronica da parte dell’interprete, estende la sua ricerca alle tecnologie interattive, ricorrendo a processi cognitivi e di intelligenza emotiva come parametri compositivi. Un forte legame lo stringe alla città di Venezia, a cominciare dal suo primo riconoscimento internazionale (nel 1981, selezione Opera Prima per il Teatro La Fenice), e proseguendo con le due commissioni da parte della Biennale di Venezia: L’olio con cui si condiscono le parole, per voce ed elettronica (1995), Un avatar del diavolo, teatro musicale (2005). (Doati/Conti)

Giuliano Galletta (nato a Sanremo, 1955, vive a Genova) A Romance 1990-2009, video, 3’16”,
performer Simona Fasano, tecnico video Claudio Maccagno. Il video presenta la re-citazione di un momento espositivo del passato, del metascenario di spezzoni di un déjà vu, dando immagine a una visione retroversa dello stesso artista, rispecchiato nel doppio della modella, che ripete, nel 2009, quasi in trance, gli stessi gesti, familiari e inquietanti, da lui compiuti nella performance del 1990, a Genova, alle Arie del Tempo. Il titolo A Romance, connotato sentimentalmente, si contrappone al termine Novel, più narrativamente discorsivo. La presenza femminile non intende essere quella di un’attrice o ballerina che interpreta l’azione, ma quella attuale dell’alter ego dell’artista. Il divano consunto, la figura di coppia del pittore e la modella ritornano, come un refrain, nelle sue opere. La casa pericolosa è quella – dichiara nel sottotitolo – in cui sono ritornato. Ma in quale casa ritorna l’artista? Non certo quella che riveste lo stereotipo della dimora rassicurante, ma piuttosto la casa conflitto di tensioni e resistenze, in cui l’imprevisto è costantemente alle soglie, una casa come figura ossimorica: fatale materializzazione del perturbante. Il senso della routine della casalinghitudine, intriso di suspense, aleggia nella gestualità della performer che piega e dispiega, con ritrosia, le lenzuola, strofinandole con le mani, dopo avervi spremuto violentemente un tubetto di rosso, afferrato come un pugnale. L’elemento del sangue è un’evidente finzione, dal momento che si tratta di colore a tempera, ma non per questo, nel discorso dell’artista, meno inquietante. L’indizio delle lenzuola, non di rado presenti nelle sue videoinstallazioni, rimanda simultaneamente dal letto al lutto, dall’erotismo alla morte. Il ricorso alla canzone Amapola, indimenticabile colonna sonora del film C’era una volta in America di Sergio Leone, il cui testo iper-romantico è di Nana Mouskouri, funziona, nel contesto, come intenso, struggente, elemento straniante. Il dramma, sospeso sulla scena, accade come sottrazione di teatro, per presentarsi come situazione scenografica di oggetti concertatamente assonanti. Il suo ricorso alla fotografia, al testo, alla citazione, al video, non riveste un problema di linguaggio, ma investe la forma del documento, dell’objet trouvé, del materiale tratto indifferentemente da youtube o dalla strada. L’accento personale sottratto al linguaggio, viene conferito al montaggio, cui compete la drammatizzazione dell’elemento narrativo. È mettendosi in opera come filosofo del relitto, antropologo dell’aforisma, archeologo delle rovine domestiche, che Giuliano Galletta trova la sua modalità ideativa e creativa, non cessando, altrimenti detto, di effettuare prelievi dal caos dell’universo per riassemblarli come reperti: categoria a cui non esita di ascriversi. (Viana Conti)

Playlist a cura di Elenora Farina

2010-04-02T07:00:00.000-07:00

MĂRŢIŞOR ÎN ROMÂNIA
a cura di Eleonora Farina

11 marzo, 7.30 pm

video selezionati:

Călin Dan (Arad, 1955), Sample City, 2003, 11’32”
La mia Playlist inizia con il video Sample City di Călin Dan. Il protagonista, nonostante abbia una posizione china a causa del peso della porta che sorregge sulla schiena - come ci ricorda Herta Müller - mantiene sempre e comunque la fronte alta. Non sappiamo in realtà chi sia, ha un volto ma non un nome; e non ci è neanche dato sapere perché sta passeggiando in questa condizione. Ma la casa immaginaria che si porta sulle spalle attraversa con lui le strade di Bucarest, una città rasa al suolo più volte (prima dalla seconda guerra mondiale, poi dal terremoto del 1977 e infine da Nicolae Ceauşescu). Una capitale europea che conserva la sua identità e la sua anima grazie a questa stratificazione architettonica, e sociale. Forse è proprio la strada - a tratti non asfaltata - che si vede attraverso i buchi dell’autobus? Il video fa parte del progetto d’artista “Emotional Architecture”.

Vlad Nancă (Bucarest, 1979), Dacia – 30 Years of Social History, 2003, 4’44”
Ed ecco ripresa la città di Bucarest, con tutte le sue debolezze e bellezze, nel video Dacia – 30 Years of Social History del giovane Vlad Nancă. Una sequenza di immagini fotografiche, uno slide-show che, attraverso l’icona per eccellenza all’estero della Romania, la Dacia appunto, mostra l’immobilismo decennale insito nella dittatura comunista. E’ infatti proprio questa macchina l’oggetto che è rimasto sempre uguale a se stesso; stessa ‘uguaglianza’ che ha reso per lungo tempo la Romania una nazione schiava di malcostumi e soprusi, di corruzione routinaria e non scalfita. Nancă aggiunge un pizzico di comico - o forse solo di tristemente ironico? - al suo lavoro; lo stesso che ha alleggerito la pesante vita quotidiana di quegli anni. La Dacia (che già dal nome ricorda il territorio nel quale era locata la Romania durante l’Impero Romano) diventa quindi il simbolo stesso di una società ossidata nella sua povertà fisica e mentale.

Dan Mihalţianu (Bucarest, 1954), La Révolution dans le boudoir, 1999, 22’30”
La Rivoluzione che ha portato al crollo del Comunismo in Romania e all’uccisione della coppia di dittatori, Nicolae ed Elena, è stata prima di tutto (e a detto di tutti ormai) una vera e propria rivoluzione mediatica, ovvero vissuta, esperita grazie alla televisione. E questo è il soggetto alla base del video La Révolution dans le boudoir di Dan Mihalţianu, nel quale il gesto della toilette quotidiana, metodica, lenta, sempre uguale a se stessa e ripetuta nelle quattro mura domestiche è contrapposto al trambusto esterno della rivolta, che però raggiunge noi e il protagonista solamente attraverso le notizie concitate provenienti dalla radio occupata dai manifestanti. Tanti sono i sospetti sulla veridicità di questo movimento di massa diventato evento televisivo, descritto quasi come il primo “big brother” della storia. Rivoluzione del popolo o (celato) colpo di Stato? Questo non è ancora dato saperlo.

Anca Benera (Costanţa, 1977), Pacta sunt servanda, 2010, 3’37”
Problematica romena oggigiorno viva e scottante quella proposta nel lavoro di Anca Benera. Il breve video Pacta sunt servanda (Conventions must be respected) presenta in maniera diretta e ironica il conflitto centenario che si vive nella regione della Transilvania, conflitto con il popolo ungherese che va avanti da quando sono nate le due nazioni e che ancora rappresenta una ferita aperta all’interno di entrambe. La Transilvania, nucleo fondante delle terre daciche fino al 9° secolo d.C., passata poi in mano ungherese con la formazione dell’Impero Austro-Ungarico e infine, dopo la disintegrazione di quest’ultimo nel 1918, riassorbita nuovamente nel territorio romeno, rimane ancora terra di confine, nella quale l’integrazione tra i due popoli è molto lontana da avvenire. L’artista quindi, utilizzando il tipico approccio del teatro dadaista (e della sua poesia simultanea), rende evidente l’impossibilità di comunicazione tra le due etnie.

Daniel Gontz (Bucarest, 1978), URMA – A place for me, 2007, 4’39”
La mia Playlist si conclude con il videoclip per la canzone A place for me della band romena URMA (Bucarest). L’artista Daniel Gontz lo ha realizzato quale risposta/presa di posizione nei confronti dei gravi tumulti dell’estate del 2007 seguiti al referendum per la messa in stato di accusa dell’allora Presidente della Repubblica Traian Băsescu.2 Nel video è presente la chiara e netta disapprovazione del mondo artistico romeno a quei fatti e a quegli avvenimenti: sullo sfondo delle immagini si intravedono prima l’abat-jour firmata Vlad Nancă (con le immancabili forme pop-stilizzate della Dacia) e poi un’opera fotografica dello stesso Gontz quale replica /omaggio a un lavoro del gruppo subREAL (composto, nei primi anni Novanta, anche ma non solo proprio da Călin Dan e Dan Mihalţianu); il video si chiude con il gallerista Dan Popescu che distrugge brutalmente con un martello la Televisione di Stato.

** “Il Mărţişor rappresenta, nella tradizione romena, la festa dell’inizio della primavera e si festeggia il 1° marzo. Le persone regalano ai propri cari dei piccoli portafortuna formati da un fiore bianco e rosso realizzato con fili di cotone legati tra loro, chiamati appunto Mărţişor (piccolo marzo). La tradizione vuole che questo simbolo sia portato sugli indumenti per tutto il mese di marzo, vicino al cuore, così da evocare il sentimento dell’amore, della purezza e della vita. Trascorso il periodo previsto, il Mărţişor viene appeso su un albero da frutta auspicando così un copioso raccolto.” da: http://www.italiamoldavia.org/tradizioni.aspx

Playlist a cura di Alessandro Sarri

2010-02-18T01:57:00.000-08:00

Noëlle Pujol

Giovedì 18 febbraio 2010, ore 8.00

Il lavoro di Noëlle Pujol si situa costitutivamente nel terrain vague che separa, unendoli, il video e il cinema, il documento e la finzione e in ultima istanza, la stasi e il movimento. Questo moto ctonio e indefinitamente oscillatorio tra lo iato e l’abrasione "disciplinare", instaura in questo modo un regime autofagico che incrina dal di dentro ogni approccio teso ad ipostatizzare ciò che strutturalmente è destinato a rimanere ossimoricamente mutilato nell’inter-dizione. La strategia di Pujol crea, senza soluzione di continuità, un dispositivo d’accerchiamento fruitivo che, alla lettera, dispone la spettatorialità nel luogo senza luogo della propria resa ermeneutica. Si dispone così, diremmo a cose fatte, una specie d’amalgama incoativo ed imparziale che risucchia sotto di sé ogni prensilità visiva e narratologica, non rendendo manifesto altro che la sindrome sintomatologica atta a foderare il punto cieco di una sinestesia inappropriabile e radicalmente inesperita. La forma nei lavori di Pujol genera una forma senza mai giustificarsi in una forma, slittando impermanentemente da una funzione riproduttiva ad una funzione produttiva, da una visione già indicibile ad una visione oramai impensabile. [Alessandro Sarri]

Durante la serata saranno presentati i seguenti lavori:

Le Préparateur, 2006, 37 mn, video

Le Ver, 2006, 12 mn, video

http://noellepujol.free.fr/

Palylist a cura di Katia Baraldi

2010-02-18T01:44:00.000-08:00

Persone, eventi, radici: testimonianze /People, events, roots: testimoniancies

Giovedì 4 febbraio 2010 ore 7.30

Questo mio progetto di playlist nasce dalla consapevolezza che stiamo vivendo in un periodo in cui la memoria storica dei grandi eventi si sta perdendo in coincidenza con la graduale e inevitabile scomparsa dei protagonisti che hanno vissuto e subito questa storia. Non è banale qui ricordare che la storia è creata, vissuta e subita dalle persone cosiddette comuni.
Uomini e donne con una loro storia da trasmettere, con identità a volte lacerate e frammentate, che hanno perso drammaticamente le loro radici di provenienza, costretti per vari motivi a lasciare il loro paese d’origine.
E’ la ricerca delle proprie radici il filo conduttore del progetto, una playlist che presenta i lavori di tre donne di età e origini diverse tra loro : Giulia Cilla, Mei Yuan Chan e Laure Keyrouz.
Solo donne, una casualità, ma non una coincidenza poiché da sempre le donne sono le prime a conservare e a trasmettere la storia della propria famiglia, del proprio paese.
Le tre artiste lavorano da anni sui concetti di memoria e identità, spinte da un forte dato biografico e consapevoli della responsabilità politica e sociale dell’arte.
La visione dei lavori sarà accompagnata da un carteggio tra me e le artiste che illustra alcune delle tematiche su cui esse lavorano.
Inoltre al termine della visione il pubblico sarà invitato a un talk con le artiste presenti.
Apre la sequenza "Entre dos aguas" di Giulia Cilla, un essay video in cui l’artista italo-uruguayana percorre a ritroso il viaggio del padre tra la Svizzera e l’Uruguay, intervistando gli amici che hanno condiviso con lui la lotta contro la dittatura che il paese sud-americano subì negli anni ’70. E’ un viaggio per dare voce ai protagonisti di un periodo storico drammatico, presentando uomini e donne comuni che hanno compiuto gesti eccezionali. Ma è anche un viaggio che partendo dalla ricerca delle origini del proprio padre vede la stessa artista ricostruire anche la propria identità.
Percorso che compie anche Mei Yuan Chan, artista di origine cinese con nazionalità taiwanese. Nei due video di Mei Yuan significativi sono il dato autobiografico e la ricerca quasi drammatica di illustrare la tragedia di un paese, la Cina, che ha avuto più di 2.500 persone costrette all’esilio per le proprie scelte politiche. Nel primo video "Casa e Radici" l’artista rientra in Cina per incontrare e conoscere la famiglia del padre, attuando quel viaggio di rientro che il padre rifugiato politico non poté mai compiere.
Nel secondo video "Casa e Radici 2008 Li Yuan" invece l’artista è riuscita ad intervistare un reduce dell’Esercito Nazionale Cinese, un uomo che come il padre dell’artista ha rinunciato a tutto per proseguire il sogno di modificare le sorti del proprio paese e che da questo in qualche modo è stato tradito.
Se per Mei Yuan e Giulia la perdita delle radici e della propria identità di provenienza è stata dettata da fatti storici che hanno coinvolto i loro padri , diverso è per Laure Keyrouz.
L’artista libanese ha vissuto in prima persona la Guerra, ma in questo caso i video che verranno mostrati, parte della trilogia Rinascita, concentrano l’attenzione sulla bellezza del suo paese, un paese diverso da quello mostrato dai mass media. La Keyrouz ricerca nella natura e nella cultura, inscindibili per lei, la propria identità di artista appartenente al mondo arabo e al Libano, in particolare, composto da più culture e identità. Questa riflessione sulla natura conduce l'artista a una rinascita e a creare un tratto di unione tra Occidente e Oriente.

Opere presentate:

Giulia Cilla, "Entre Dos Aguas", (2009), a road video essay , DV'Pal, Colour, 27''.
Mei Yun Chan, "Casa e Radici – 3/7 – Jiang Yu" (2007), artist video, 14’ 19".
Mei Yun Chan ,"Casa e Radici 2008 Li Yuan" (2008), artist video, 6’ 44".
Laure Keyrouz , trilogia "Rinascita":
"Hermit (l'eremita)" artist video, (2008), 3 minuti
"New birth (la rinascita)" artist video,(2008), 4 minuti
"Senza titolo", artist video, (2008), 2 min 30 secondi

Playlist a cura di Domenico Quaranta

2010-02-04T11:16:00.001-08:00

Mercoledì 27 gennaio ore 7.30

WHOLE EARTH CATALOGUE

Fondato dallo scrittore americano Stewart Brand nel 1968, Whole Earth Catalogue (WEC) è stato un catalogo di 'strumenti' rispettato come una bibbia dalla generazione della controcultura - vale a dire, da coloro che hanno plasmato il contesto tecno-culturale in cui ci troviamo a vivere. Pubblicato regolarmente fino al 1972 e irregolarmente fino al 1998, è stato 'ucciso' dal successo del World Wide Web, di cui persone come Steve Jobs (fondatore di Apple) e Kevin Kelly (fondatore di Wired) vedono in esso un anticipatore. WEC era concepito come 'uno strumento di valutazione e di accesso' che intendeva portare potere e conoscenza alle persone. Proponeva eccellenti recensioni di libri, mappe, riviste di settore, corsi e lezioni, insieme a oggetti di ogni tipo, dagli attrezzi da giardinaggio ai computer. Chiunque poteva contribuire.

Come i recensori del Whole Earth Catalogue, gli artisti di questa mostra contribuiscono regolarmente a una risorsa condivisa; come loro, amano i loro strumenti e, come loro, sono interessati a capire il mondo nel suo complesso. Ciò che è cambiato, nel frattempo - e in gran parte grazie alla generazione del World Earth Catalogue - è il mondo stesso. Gli artisti - e noi con loro - vivono in un mondo in cui i media non si limitano a riprodurre o a simulare, come dice Baudrillard, il reale: lo plasmano, gli danno forma, contribuiscono ad esso, a volte costruiscono mondi paralleli in cui possiamo trascorrere il nostro tempo. Riprogrammano il modo in cui viviamo, pensiamo, produciamo e fruiamo cultura, mangiamo, dormiamo, moriamo. E in cui pensiamo a dio.

Questi artisti usano semplici strumenti e trucchi di editing per commentare lo stato attuale dell'immagine, per parlare di se stessi, per modificare materiale trovato e arricchirne il significato; esplorano culture e pratiche per campionarle, remixarle e commentarle; abusano delle tecnologie che usano; esportano metafore, pratiche, estetiche e narrazioni in altre situazioni. Questo può suonare strano per chi non viva nella loro stessa fetta temporale - ma, per favore, non chiamateli formalisti. Non lavorano con un medium: lavorano in una realtà ampliata dai media. Sono realisti, nel solo modo in cui il termine realismo può avere un senso oggi.

Questo peculiare realismo può portare alcuni di loro a ritornare a quando tutto è iniziato. Come è noto, le droghe psichedeliche hanno avuto un ruolo importante agli inizi della cultura digitale. Without Sun, di Brody Condon, è un mesh-up di video reperibili in rete che hanno come protagonisti individui affetti da una sostanza psichedelica. Perché mettono in rete questo materiale? Non hanno, queste esperienze extracorporee, una relazione con altre forme oggi comuni di proiezione identitaria, come i videogiochi online? Alcuni artisti, come Cory Arcangel e Oliver Laric, sono interessati alle conseguenze concettuali delle tecnologie, al modo in cui riprendono e attualizzano alcune preoccupazione centrali della nostra cultura; altri, come il duo AIDS-3D, guardano a come le tecnologie stanno influenzando in maniera crescente la nostra vita spirituale. Vogliono, come dicono loro, 'rendere visibile la magia intangibile della tecnologia'. Non necessariamente attraverso di essa: il video di Constant Dullart, ad esempio, traduce l'animazione di caricamento di Youtube in una suggestiva, ipnotica scultura usando la luce e palle di styrofoam.

Questo interesse per la magia e la trascendenza è condiviso da diversi altri artisti in mostra, da Petra Cortright a Damon Zucconi, da Harm Van den Dorpel a Martin Kohout. Nelle loro mani, un filtro video può diventare il modo migliore per esplorare la consistenza del mondo esterno, e di noi stessi. Può diventare il modo migliore per conoscere meglio il mondo in cui viviamo, qualsiasi senso diamo a questa parola.

Playlist a cura di Federica Bueti

2010-02-04T11:14:00.000-08:00

Giovedì 21 gennaio ore 7.30

At Least, You will see the space in between

Il progetto cerca di guardare all'immagine senza immagine, il vuoto che ha affascinato diversi artisti/intellettuali fin dagli esordi del cinema e che torna oggi di grande attualità in un discorso sulla cultura contemporanea, in cui l'immagine ha perso la propria capacità persuasiva lasciando il posto ad un assenza il cui significato non è lo svuotamento di significati, ma al contrario una pienezza, la somma di una moltitudine di frammenti e temporalità diverse, che invece di disturbare spinge a riflettere.
Lo schermo nero è così una sospensione della realtà per come la vediamo, non però per come ci è dato di immaginarla, di indagarla, di analizzarla e scoprirla nuovamente. Lo schermo nero è una pausa che apre la riflessione, temporalità privilegiata priva di corpo.
Spesso l'immagine nera dello schermo è accompagnata dalla narrazione verbale.
L'uso del linguaggio, spiega ancora una volta, il potenziale immaginativo dell'anti-oggetto, il linguaggio performa la realtà permettendo la definizione di un'immagine mentale articolata,in cui l'assenza determina una diversa consapevolezza dal reale.
L'immagine nera diventa lo spunto per parlare del tempo e lo spazio così come vengono vissuti e elaborati dalla realtà culturale contemporanea.
Il progetto infatti mostrerà alcuni lavori di artisti che hanno accettato la sfida dell'immagine vuota e hanno riflettuto su di essa e verrà seguita da una discussione più articolata che cercherà di percorrere la realtà contemporanea mettendo in luce un più adeguato e complesso concetto di temporalità.
Video di: Chris Marker, Tony Conrad, Hans Richter, Guy Debord, Michael Snow, James Benning, James Withney, Derek Jarman.

Playlist a cura di Caterina Riva e Francesca Boenzi

2010-02-04T11:13:00.000-08:00

Giovedì 17 dicembre ore 8.30

Con estratti da Kenneth Anger, Maya Deren, Guy Maddin, Derek Jarman, Harun Farocki, Clemens von Wedemeyer, Owen Land. Ganzfeld è una parola tedesca che significa ‘campo totale’ ma che si riferisce anche ad una prova di telepatia condotta negli anni ‘70 dal parapsicologo americano Charles Honorton. L’esperimento consisteva nell’isolare sensorialmente un soggetto apponendogli due mezze palline da ping pong sugli occhi e una cuffia che emetteva rumore di fondo nelle orecchie. In queste condizioni il soggetto doveva recepire informazioni o immagini inviate attraverso il pensiero da un altro soggetto che si trovava in un altro ambiente.
- Sono andata a vedere White Ribbon di Haneke e' molto bello. Tu l'hai visto?
- Non ancora, ma andrò a vederlo. Tra l’altro avevo pensato di mettere un estratto da un suo film nella nostra
playlist…
- Siamo davvero telepatiche
La costruzione di questa playlist è avvenuta come uno scambio di informazioni e immagini che ha assunto a tratti della connotazioni telepatiche. Nel momento in cui il soggetto A invia un video a B, B risponde in modo non dissimile da come avrebbe risposto A.
- Come sempre siamo sulla stessa lunghezza d'onda. Io amo molto Jarman e il seguito che ti volevo proporre era appunto Maya Deren... ora penso al seguito.
Lo scambio dei video ha determinato un sistema di associazioni che sono andate a toccare alcuni dei riferimenti estetici, intellettuali, culturali, politici che condividiamo. Queste associazioni sono però difficilmente spiegabili. Il processo è intuitivo e a volte l’intuizione vale più di qualsiasi sistema complesso di
relazioni basato sulla conoscenza sensibile, sul ragionamento e soprattutto sulla coerenza interna. Il risultato è, a volte, sorprendentemente coerente e altre volte disarmante per la sua incoerenza. Tuttavia riteniamo questa dialettica interna scandita da contraddizioni uno spunto interessante per mantenere sempre viva la discussione, il dialogo e lo scambio.

Playlist a cura di Saretto Cincinelli

2010-02-04T11:11:00.001-08:00

Venerdì 11 dicembre ore 7.30

La Playlist si alimenta dalle tre successive edizioni de L’evento immobile curate con Cristiana Collu (Contrattempi, 2007; Incantamenti, 2008; Lo sguardo ostinato, 2009) le prime due promosse dal Man di Nuoro e dal festival L’Isola delle storie di Gavoi e la terza coprodotta dal Man e da Casa Masaccio, San Giovanni Valdarno. Configurandosi in larga parte come una video-esposizione, l’appuntamento annuale de L’evento immobile scava dentro al mutevole territorio di confine, che mantiene in stretta relazione cinema video e arti plastiche, cercando di circoscrivere e declinare topoi e figure, la cui crucialità è testimoniata dalla persistenza con cui ritornano a imporsi all’attenzione in stagioni diverse e significative della ricerca contemporanea e il cui remoto baricentro pare riconducibile all’oscillazione fra fisso e animato che, sia pur secondo una linea carsica e segnata da profonde modificazioni, conduce dalle pionieristiche ricerche di pre-cinema alla nascita del video sino alle ricerche contemporanee.
Proponendo opere che, sulla scia di Ruggero Pierantoni, potremmo definire in bilico tra “forma fluens” e “fluxus formae”, L’evento immobile cerca di approfondire l’idea di un incantamento della visione che si realizza tramite la messa in primo piano di una dimensione in meno dell’immagine: una dimensione che, venendo a mancare, finisce per ripercuotersi après coup sulle aspettative dello spettatore e sull’espressività di opere che si sottraggono volontariamente all’eloquenza e alla prevedibilità spettacolare di gran parte dell’attuale linguaggio visivo, opere che, paradossalmente, guadagnano -come in un gioco in cui chi vince perde- dall’economia che le caratterizza, un’economia che finisce per restituire loro un surplus di presenza.

Nel contesto delle tre edizioni sono state proposte oltre ad opere plastiche di: Cristiane Löhr, Carlo Guaita, Andrea Santarlasci, Ane Mette Hol, Cristiana Palandri opere video e cinematografiche di: Etienne-Jules Marey, Walerian Borowczyk, Jorge Molder, Mark Lewis, Ange Leccia, Daniela De Lorenzo, Yael Davids, Adrian Paci, Carlos Garaicoa, Sejla Kameric, Paolo Meoni, Cyprien Gaillard, Guido van der Werve, Sophie Whettnall, Massimo Barzagli/Luisa Cortesi, Luca Rento, Kan Xuan, Emanuele Becheri, Carl Michael Hausswolf/Tomas Nordanstad, Farid Rahimi, Sabrina Mezzaqui, Hans Op De Beck, Rossella Biscotti, Ursula Mayer, Patrick Jolley/Rebecca Trost/Inger Lise Hansen.

L’attuale Playlist, ancora in corso di definizione, riproporrà opere già presentate nel contesto delle varie edizioni de L’evento Immobile, l’unica eccezione è rappresentata da Mizuno Katsunori un giovane autore giapponese (1982), proposto per la prima volta in Italia nella mostra Il dio delle piccole cose curata da Pier Luigi Tazzi, la cui opera avrebbe potuto figurare nel contesto di una delle edizioni de L’evento immobile.

Fra le opere: Etienne-Jules Marey: materiali d’archivio; Walerian Borowcyzyk: Renaissance, 1963; Daniela De Lorenzo: Dammi il tempo!, 2007 (frammenti dalla videoinstallazione multicanale); Paolo Meoni; Unbend, 2006; Kan Xuan: In focus out focus, 2007; Emanuele Becheri: Temporale, 2009; Mizuno Katsunori: Monotone, 2005 …

Playlist a cura di Francesca Referza

2010-02-04T11:07:00.000-08:00

Giovedì 10 dicembre ore 7.30

Fonti involontarie
Le fonti involontarie, nella ricerca storiografica, sono costituite da ciò che il passato ci ha lasciato non intenzionalmente. Sono paragonabili ad indizi che trasmettono o suggeriscono informazioni, magari incomplete e frammentarie, come sono appunto gli indizi. Le fonti involontarie, o "avanzi", sono dunque in grado di fornire solo testimonianze indiziarie ed incomplete.

Il paradigma Indiziario (2009) di Meris Angioletti, Shooting on the Dam (2005) di Rossella Biscotti, Untutored Eye (2005) di Armando Lulaj, Piazza Plebiscito (2000- 2007) di Giulia Piscitelli sono in modo diverso fonti involontarie. Parlano di storie contemporanee e di città diverse (Milano, Amsterdam, Tirana e Napoli), ma lo fanno usando degli "avanzi", degli sguardi parziali, deformati, poco decodificabili, volutamente ambigui o addirittura fuori fuoco. Verità e finzione si mescolano e, conseguentemente, pongono lo spettatore in uno stato di tensione. L’obiettivo, dall’altra parte, non è arrivare a capire quale sia, dato un certo evento, un certo luogo, una certa atmosfera, la verità (che tra l’altro non esiste in assoluto, tantomeno applicata alla storia), quanto, piuttosto, generare dubbi e, conseguentemente, domande. Se poi le risposte non si troveranno, poco importa.

Quando mi è stato chiesto di realizzare un video su Milano ho deciso di rivolgere la mia attenzione ai sotterranei della città. È attorno a quest’idea del non vedere, dell’impossibilità di vedere che ruota questo lavoro. Sono questi luoghi bui e non agibili, in cui proiettiamo delle storie. Nella fase di ricerca delle testimonianze ho scelto, infatti, di raccogliere i racconti di persone che in realtà non avevano mai visto nitidamente questi luoghi. Nessuna di queste informazioni era verificabile dall’osservatore. Quello che fa il Paradigma Indiziario è di risalire a ciò che non possiamo esperire direttamente, attraverso una serie di tracce secondarie e questa metodologia è applicabile non solo alla storia, ma anche alla psicologia. Per questo motivo la voce iniziale è quello di una psicologa, è un’induzione non direttamente ipnotica, ma un rilassamento guidato, che può attivare la parte destra del cervello e facilitare il contatto una serie di immagini mentali. In questo senso sintomi psicologici e tracce storiche sono paragonabili. Questa voce, inoltre, nel suo essere così "cinematografica" è un esperimento sul coinvolgimento dello spettatore, un modo di attivare una visualizzazione attiva anziché passiva da parte dello spettatore. Come indizi o tracce sono sviluppate anche le voci che sono disseminate nel video. Cercando le testimonianze, ho iniziato a lavorare nei dintorni di Gorla, perché è una zona in cui ci sono tuttora molti rifugi sotterranei, per cui c’è una realtà sotterranea abbastanza definita. Da lì è partito questo meccanismo per cui mi venivano di volta in volta indicate altre persone che potevano propormi altre testimonianze. Ogni voce è diventata così la traccia da seguire per la testimonianza successiva. Questo modo di procedere assomiglia molto anche all’azione del detective, che, secondo lo stesso Carlo Ginzburg, diventa il terzo personaggio coinvolto nel paradigma indiziario: lo storico, lo psicologo e il detective. (Meris Angioletti)

Shooting on the Dam e’ un video dove finzione e realtà si intersecano. Infatti la maggior parte di "teste parlanti" non hanno vissuto personalmente l’accaduto, la maggior parte di loro non era ancora nata nel 1945, ma l’hanno studiato attraverso una serie di incontri che ho organizzato sull’argomento. Nel video li ho intervistati mettendo su una specie di servizio televisivo e loro rispondevano come fossero dei testimoni oculari. La compresenza di veri testimoni oculari nello stesso video, che tuttavia non ricordano o si perdono nelle descrizioni di dettagli non rilevanti, crea uno slittamento temporale e mette in dubbio anche la veridicità dell’evento. E’ un fatto avvenuto ora? E’ un evento passato o finzione? (Rossella Biscotti)

In tutti i cimiteri dell’Albania c’è una spaventosa crescita della mortalità a partire dal 1997. Nella maggioranza dei casi sono ragazzi giovanissimi. Il ‘97 è stato un anno molto difficile per l’Albania, ma molto proficuo per la corruzione e per i tanti Arturo Ui. Per i politici interni ed esterni, per il commercio delle armi, la prostituzione e per la droga. Non volevo farne un documentario, né un film dove si incriminavano tutti, anche se dichiaro che è una grande sfida che da tanti anni mi stuzzica. Fare un film sull’anno nero: lo potrei intitolare: 1997, Fuga dall’Albania! Tanti registi giovani ci hanno provato a presentare qualcosa sulle vicende del 1997, ma sembra che tutte le porte si chiudono quando inizi a cercare fondi e del materiale su quell’anno. Tutto è stato sequestrato! Ai registi si dice. - "Andate a trovare l’arte da qualche altra parte, noi non finanziamo film politici, ma film artistici. L’arte non ha niente a che fare con la politica" Questo è un grande non senso.. Chi dice queste parole è gente che fino a ieri interpretava nel teatro comunale "I Persiani" di Eschilo e "L’irresistibile ascesa di Arturo Ui" di Brecht. I Persiani, è la prima tragedia che documenta una guerra e la seconda è un’opera che mette a nudo l’ascesa dei vari Hitler nella storia. (...) In Albania si dice che la legge è qualcosa di molto sensibile, come la milza; non la si può prendere a pugni, altrimenti è la morte! Con Untutored Eye, volevo mettere in scena la struttura della sceneggiatura di cui parlavo prima. Utilizzando questo concetto di occhio incolto e senza legge, come l’occhio di un neonato che con l’atto di vedere il mondo per la prima volta lo violenta; l’occhio incolto dell’occidente invece ne violenta in senso stretto culture e paesi interi, calpestando ogni cosa che non attiri il piano stabilito dal sistema. É come il detto: "La sporcizia va trattata con tutto il rispetto, ma le cose pulite si possono tranquillamente sporcare". Volevo documentare in un certo senso tutta questa violenza che ci si è rovesciata davanti con una potenza micidiale. Così presi una piccola telecamera e la misi dentro un pallone da basket americano del NBA. Poi rovesciai il pallone per tutte le stradine del cimitero. Le immagini vedono, toccano, documentano. Appaiono dei fantasmi reali e immaginari. Si formano dei pixel che formano delle conseguenze, finché alla fine la telecamera, subendo un colpo, si rompe. Non risponde più a nessun comando e genera immagini a suo piacere. La telecamera impazzì! (Armando Lulaj)

Pieno inverno, di notte, un giro di videocamera riprende la piazza vuota nel suo splendore di facciata: il palazzo del re, la chiesa del signore, il palazzo della prefettura, il palazzo dell’esercito; un luogo dove tutto è sotto il controllo di una telecamera, ma non è quella dell’artista ma delle forze dell’ordine. Un motorino in movimento, l’ordine è al rovescio, l’occhio mette a fuoco una macchina ferma, le quattro luci lampeggiano, l’occhio si avvicina all’abitacolo dove c’è una persona, fuori e sulla portiera una macchia rossa: vino, pittura? Performance, vita? (Giulia Piscitelli)

Playlist a cura di Antonio Arevalo

2009-12-03T04:37:00.000-08:00

Art between identity and the mask
4 dicembre 2009, ore 7.30 pm

Le varie facce dell'esistenza, le contraddizioni tra il bene ed il male,
innocenza e corruzione, il sacro e il profano vengono radunate in questa
rassegna di artisti latinoamericani affermati a livello internazionale e che in
una sorte di working progress è già stata presentata a Monterrey, Cultures
World Forum, Mexico, a Futura, Centro dell' Arte Contemporanea a Praga e
alla edizione 2008 di Miart, Milano.
"Assemblando sperimentazione e ricerca di nuovi linguaggi, e rivisitazioni
della memoria recente e ancestrale, mi interessava render conto di questa
pluralità, dell'estrema vitalità di questa ricerca visiva, parte di un progetto
più ampio, di una strategia articolata: un sorta di archivio, un cadavere
squisito su quello che rappresenta l'identità latinoamericana di oggi".
La mostra, curata da Antonio Arévalo propone importanti interrogativi sui
concetti d'identità, razza, classe, religione, genere e sessualità.
Nelle opere esposte, sono pregnanti i contrasti tra sacro e profano,
innocenza e corruzione, bene e male. Esse non mostrano registri esatti, ma
cercano di stabilire un gioco sarcastico e ambiguo d'idee, dove tutto
diventa complice. Codici e linguaggi video, film, producono un segno
visuale realista, talvolta visionario se non allucinante. Dialogando a
distanza gli artisti condividono il loro disagio esistenziale, si scambiano
domande circa la loro identità, la propria nudità in quanto forma possibile
d'espressione della confusione, o il suo esatto contrario.
"Tali domande possono anche essere evidenziate e segnate, come le pagine
di un romanzo che non vogliamo dimenticare, come un verso che vogliamo
conservare nella nostra memoria, quando avremo chiuso il libro dove
l'abbiamo letto. Così queste opere rappresentano stralci di quella memoria
latente che diventa coscienza collettiva dell' essere, messaggio capace di
sublimare un' idioma etico, nella ricerca costante del voler sapere".
In mostra: Alexander Apóstol (Venezuela), Patricia Bueno (Peru), Jota
Castro (Peru), Donna Colon (Usa-Panama), Regina Jose' Galindo
(Guatemala), Maria Rosa Jijon (Ecuador), Diango Hernández (Cuba),
Antonio Manuel (Brasil), Ronald Moran (San Salvador), Iván Navarro (Cile).

01. ALEXANDER APÓSTOL, Venezuela
Documenta, 2005, video, 2 min. 12 sec.
02. PATRICIA BUENO, Peru
Tuyo es el Reino, 2007, video, 9 min. 26 sec.
03. JOTA CASTRO, Peru
“Doing it to death”, 2004. 3min. 2 sec.
04. DONNA CONLON, USA / Panama
Coexistencia, 2003, video, 5 min. 26 sec.
05. DIANGO HERNÁNDEZ Kuba / Cuba
Victoria, 2005, video, 2 min. 36 sec.
06. REGINA JOSÉ GALINDO, Guatemala
Limpieza social, 2006, video, 3 min. 46 sec.
07. MARIA ROSA JIJON. Ecuador
La casa che non è in nessun posto, 2009. 5 min, 14 sec.
08. ANTONIO MANUEL, Portogalo/Brasile
Semi/otica, 1968, video, 6 min.
09. RONALD MORAN, San Salvador
Terapia para un dulce sueño, 2007, video, 1 min, 20 sec
10. IVÁN NAVARRO, Chile
I'm not from here, 2006, video, 8 min. 30 sec

Playlist a cura di Cristian Bugatti

2009-11-25T05:10:00.000-08:00

Le mie letture estive

giovedì 26 novmbre ore 7.30

Ho deciso di condensare in un tempo ben definito la scelta dei video:
-dal 15 luglio 2009 , giorno in cui mi sono incontrato con il curatore Antonio Grulli il quale mi ha parlato del progetto Playlist organizzato presso lo spazio Neon Campobase di Bologna
-al 2 settembre 2009 , giorno in cui ho completato la mia playlist
Partendo dalla considerazione che leggere è molto importante oltre che essere un piacere per me, e che spesso è proprio dalla lettura che ho l’ispirazione per quello che faccio, ho steso la lista dei libri che ho letto in un preciso lasso di tempo.
Ho anche giocato sul fatto che generalmente a scuola ci venivano assegnati da leggere per le vacanze estive libri di cui ci interessava poco o nulla. Io credo invece che ognuno debba scegliersi i propri libri con cui formare la propria cultura e su cui basare la propria crescita interiore. Da qui l aggettivo “MIE”.
I video che presento non sono video d’artista, bensì, video sugli artisti, in questo caso scrittori, scaricati dalla rete e editati in un unico filmato.
Il montaggio non è lineare ma segue il processo del ricordo, nel senso che se devo ricordare i protagonisti letterari dell’estate appena trascorsa la mia mente organizza il ricordo per spezzoni d’intervento.
(Nella sede di Neon sarà inoltre possibile consultare i testi scelti.)
Gli scrittori di cui verranno mostrati i video:
Paul Auster - Zygmunt Bauman - Michel Houellebecq - Henry Miller - Amelia Rosselli - Jonathan Swift - Tzvetan Todorov

Playlist presentata dagli studenti del laboratorio artistico di Cesare Pietroiusti e Filipa Ramos dell’università IUAV di Venezia

2009-11-25T05:04:00.000-08:00

Time Line

giovedì 19 novembre ore 19.30

TIME LINE è una riflessione sulle possibilità di produrre "Esperienze non lineari del Tempo" tramite l'uso dell'immagine in movimento. Questa proposta nasce dal lavoro collettivo di 50 studenti che, insieme, hanno scelto accuratamente video di diverso genere e natura (da video musicali a pubblicità, a film, filmati, frammenti televisivi e video di artisti) che offrono esperienze non congeniali del tempo.
L'intenzione è di fare vedere come certe condizioni (come il differimento, la ripetizione, l'attesa, la sospensione, la dilatazione, la simultaneità, la frammentazione, etc.) siano propizie a una fruizione diversa del tempo.
La selezione dei video sposta l'attenzione non soltanto sui contenuti ma anche per la scelta dei mezzi e delle metodologie adottati per rappresentarli.
Le nostre permesse partono da una riflessione su come la prospettiva, creata nel 1400 in Italia, abbia generato un nuovo modo di guardare e di interpretare la realtà. La prospettiva non soltanto ha fondato le basi percettive di tutta l'epoca moderna ma ha anche, e soprattutto, reso il mondo misurabile e ordinato d'accordo con un canone specifico che è diventato il modo di vedere e rappresentare il mondo. Nel caso particolare della misurazione del tempo, e di conseguenza della sua spazializzazione, questa viene rappresentata da una linea retta che viene generalmente chiamata TIME LINE.
Abbiamo voluto indagare come i mezzi espressivi, soprattutto quelli più recenti quali il video digitale e in particolare i nuovi metodi di montaggio, ci offrono la possibilità di giocare con la time line, mettendoci così in grado di profanare il dogma della sua linearità, creando esperienze non lineari del tempo.

Palylist a cura di Cristina Romano

2009-11-18T08:17:00.000-08:00

I am he as you are he as you are me and we are all together

Giovedì 12 novembre ore 7.30

L'idea di comunità, di relazione e di scambio, e la presenza dell'elemento sonoro come fattore fondante nella comprensione e codificazione di un messaggio, anche visivo, sono stati i principali elementi di riflessione per la selezione dei lavori. L'interesse per un'attitudine e capacità a relazionarsi con l'alterità in senso lato, intesa come realtà sociale e culturale, come stato dell'essere o come condivisione di ritualità sociali ha suggerito di dare un ordine di sequenza particolare ai video per creare un senso organico e narrativo alla successione, per renderla, pur nella chiara distinzione delle singole opere, leggibile anche come insieme.
Apre la sequenza La città negata (2006) di Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, un lavoro che pone l'accento sulla percezione della realtà in mancanza di una memoria visiva del mondo (un dialogo fra due non vedenti che raccontano la loro esperienza in relazione alla vita in città, Palermo), dove suoni e parole diventano il filo conduttore e lo strumento per comprendere e sviluppare attitudine all'empatia, all'ascolto e dunque alla comprensione del mondo. L'apparato visivo del video, diventa una traccia fatta di luci e ombre, di forme indistinte, masse di colore fluttuanti che completano la visione percettiva dei due protagonisti. Il video rappresenta dunque uno dei possibili e infiniti punti di vista fra le molteplici realtà condivise da un gruppo di individui, un esempio fra le innumerevoli comunità che vivono secondo codici e parametri particolari. La relazione, il dialogo e l'esperienza comune diventano perentoriamente il punto centrale di un processo conoscitivo. La cecità è stata spesso interpretata come metafora/allegoria della non conoscenza, ma anche della veggenza come capacità di vedere oltre il visibile, e a partire da questa doppia possibilità interpretativa e sul filo sottile di questa ambiguità corrono i cinque video.
Con Insect (1998) di gelitin è il mondo degli insetti a fornire possibili chiavi di lettura, fra queste l'idea di metamorfosi e di psichedelia interpretata dagli artisti insieme all'animazione di oggetti e all'uso del collage. Le immagini e il movimento dei corpi nel contesto sia naturale sia artificiale, insieme alla musica, chiariscono nessi e dinamiche dalle sensuali e caleidoscopiche sfumature. Indirizzano lo sguardo e l'attenzione verso il dato sensibile e alludono a una percezione allucinata totalmente libera da schemi precostituiti.
Una forte spinta poetica pervade Places|Bidassero|Ittiri|Sardinia (2004), di Claudia Losi con Daniele Signaroldi. In un orto fiorito sei ottuagenarie sono coinvolte dall'artista in un ricamo collettivo, ognuna di loro ricama la propria paura più grande, e in questo modo il ricamo collettivo diventa un possibile strumento per liberarsi dalle le paure. Le storie che le sei donne raccontano trasmettono la memoria e i ricami diventano chiare tracce prive di ogni enfasi. Tutto è riportato allo scambio reciproco, al dialogo, in una sorta di gioco cortese, dove le anziane donne sembrano figure di un mondo ideale, a dispetto della loro indiscutibile realtà, che diventa idillio bucolico. Il video assume i contorni di un idillio, non a caso è immerso totalmente nel contesto naturale.
A far da contrappunto interviene la visione irrequieta e visionaria di Schuyler Maehl (HÃºsavÃk, 1980) che con Islanders (2005) percorre un'esperienza totalmente mentale, immaginando il suo paese d'origine, l'Islanda, isola remota, e avvolta dal mistero di leggende e storie di creature non umane. Anche l'ambiente naturale nel video non è altro che il riflesso di un pezzo di legno in uno stagno. I corpi si muovono e interagiscono producendo movimenti e sospensioni senza un senso apparente, le azioni e i personaggi rispondono a un codice interno totalmente sfuggente, qui sono i suoni a comunicare il senso della sua visione e a rendere leggera e persuasiva la sua rappresentazione. Chiude la playlist un altro video di gelitin, I am the walnut (1997), una visione poetica e romantica che coglie momenti condivisi sulle barchette a nolo nel laghetto di Central Park, a New York, espressione di una gioia profonda.

VIDEO SELEZIONATI:
gelitin, Insect (1998), 27:28; I am the walnut (1997), 2:05
Claudia Losi con Daniele Signaroldi, Places|Bidassero|Ittiri|Sardinia (2004), 11:23
Schuyler Maehl, Islanders (2005), 2:35
Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, La città negata (2006), 14:40

Playlist a cura di Samuele Menin

2009-10-22T04:27:00.000-07:00

What's my line?

giovedì 22 ottobre 2009

Marina Abramovic, Rhythm 10, 1999 - Vito Acconci, Theme Song, 1973 - Francis Alÿs, Railings, 2005 - Laurie Anderson, Head, 1982 - John Baldessari, Sings Son Lewitt, 1972 - Joseph Beuys, Filtz TV, 1971 - Matthew Barney, Cremaster 3, 2002 - Chris Burden, Shoot, 1971 - Keren Cytter, Continuity, 2005 - Jack Goldstein, Shane, 1974 - Bruce Nauman, Performances 1968/69 - Bruce Nauman, Good Boy Bad Boy, 1985 - Pipilotti Rist, I’m a victim of this song, 1995 - Sam Taylor Wood, Ascension, 2003 - Sam Taylor Wood, Method in Madness, 1998 - Bill Viola, The Reflecting Pool, 1977/1979 - Bill Viola, The Passing, 1991.

Playlist a cura di Denis Isaia

2009-10-22T04:22:00.000-07:00

Ognuno è internazionale al suo presente

25 giugno 2009

Le dinamiche post 1989 imposte dalla globalizzazione alle arti sono il presente con cui chiunque voglia sviluppare una critica si deve confrontare. Dalla caduta del muro in poi il processo di internazionalizzazione si è mosso con rapidità. Il risultato è oggi un super-luogo e un super-tempo dell'arte che si articola intorno ad una serie di appuntamenti sempre meno distinguibili fra mercato, biennali, talks, formazione. Il fatto non è in sè negativo, ma ha sviluppato delle contraddizioni. Se l'attenzione sulla disciplina ha moltiplicato le possibilità e scambi per artisti e operatori, l'accellerazione impressa ha determinato riflessioni sul reale che passano attraverso l'unico occhio possibile a queste condizioni: quello da turista secondo il quale ciò che si vede può essere bello, buono o brutto ma inevitabilmente esterno: in un altro luogo e in un altro tempo. Il risultato è la mancata connessione fra singolarità, libertà e territorio capace di creare alterità che parlano.
Sulla tracce di questa impasse l'ambizione è di migliorare i punti di contatto fra l'internazionale e il presente. Due possibili scelte passano attraverso questi ripensamenti:
- il primo riguarda l'ontologia dell'arte e la natura altera che caratterizza la disciplina. È una posizione che cerca di ridefinire il processo di autodefinizione dell'arte e prospetta un allargamento dei confini anche oltre i luoghi in cui l'arte viene programmaticamente coltivata e professionalmente indirizzata. L'arte in questa visione non è ciò che vive all'interno di una cornice artistica ma è l'azione altera che parla e che è dunque in grado di proporre modelli di relazione con i fatti della vita.
- il secondo tenta una rielaborazione dei modelli espositivi delle grandi manifestazioni internazionali e si concentra sulla possibilità di allungare i tempi di contatto fra internazionale e presente (prolungare il potenziale) lavorando sul tempo e sullo spazio.

Lungo questi pensieri si scopre che l'incrocio fra internazionalità e presenza parla delle presunzioni dell'arte, di egoismi, di ciò che desideriamo e del nostro atteggiamento verso le cose. Per playlist ho voluto seguire alcune testimonianze che si muovono sulla soglia di questi incroci. I video che presento fanno perno sul gioco, hanno come unica ambizione la loro stessa testimonianza, a volte comprendono una forma ironica di localismo, non hanno il sapore di oggetti d'arte, contemplano la collaborazione. Le azioni che inseguono sono scatti di alterità piacevoli, assurdi, minimi, a volte amatoriali.
Una storia, mai più dormire, souvenir dall'Africa, il dondolo, proforma, Dasha e Kolja.

Ognuno è internazionale al suo presente arriva in chiusura del ciclo playlist ed è anche un omaggio alla Neon che di questi atteggiamenti si è fatta spesso interprete.

VIDEO SELEZIONATI:

Wannes Goetschalckx in collaboration with Kurt Augustyns, 1 Story, 2006, courtesy West

Marjolijn van der Meij & Arianne Olthaar, Nooit meâh slapen, 2000, courtesy West

Marjolijn van der Meij & Arianne Olthaar, Souvenier uit Afrika, 2002, courtesy West

Anna Scalfi, Proforma, 2009, courtesy l'artista

Hiwa K, Mathias Pelde, see/saw (mobile phone version), 2008, courtesy gli artisti

Hiwa K, Mathis Pelde, see/saw (documentation, )2008, courtesy gli artisti

Anton Kats, Dasha and Kolja, 2008, courtesy l'artista

Playlist a cura di Lelio Aiello

2009-06-17T13:47:00.000-07:00

BLICK – Luogo e relazione

martedì 16 giugno_8.30 pm

“Blick“ (dal tedesco occhio, panorama, pigolio, sguardo veloce, veduta) nasce dal desiderio di dare uno sguardo ad alcune scelte fatte da me negli ultimi anni (quindi uno sguardo dentro di se) da una parte, mentre dall’altra le scelte seguono un filo conduttore che accomuna i video presenti nella playlist: “luogo e relazione“ che gli artisti in mostra hanno stabilito con essi secondo diversi tipi di visioni.
Un azione performativa che aggrega gli abitanti di un quartiere di Palermo; Il visibile decadimento di un villaggio, costruito dalla Mitsubishi, in una piccola isola a largo di Nagasaki, abbandonato negli anni Settanta; la misurazione improbabile di uno spazio; il fascino di andare oltre il perimetro di un luogo circoscritto da un muro di pietre; le sensazioni riportate in seguito ad un viaggio in america; una casa in preda al fuoco dove un nucleo familiare continua a vivere nella serenità più assoluta la vita di tutti i giorni.

VIDEO SELEZIONATI:

Marcello Maloberti – C.I.R.C.U.S Palermo, 2007
Carl Michael von Hausswolff – Thomas Nordanstad– Hashima, 2002
Luca Trevisani - Platinoiridio, 2007
Cesare Pietroiusti – Senza titolo, 2006
Domenico Mangano – The blurring shine, 2007.
Patrick Jolley / Reynold Reynolds – Burn, 2002

Si ringraziano la galleria Francesco Pantaleone - Palermo, galleria Raffaella Cortese - Milano, Magazzino – Roma, gli artisti.

Playlist a cura di Lorenza Pignatti

2009-06-12T14:18:00.000-07:00

Un dancefloor inaspettato

Giovedì 11 giugno
ore 8.30

Un modo diverso di narrare la storia, mostrandone aspetti non registrati dalla cronica ufficiale ma non per questo meno importanti rispetto alla formazione dell’immaginario collettivo. L'associazione culturale Home Movies (www.homemovies.it) dal 2001 raccoglie e restaura film 'amatoriali' girati in 8mm, Super 8 o 16 mm, a seconda dei periodi storici, comunque prima dell’avvento del video. Una raccolta in progress che si crea con i film forniti dai cineasti che sono poi riversati su formato digitale. Un upload che riscatta questi film dall’oblio e dall’obsolenza del formato originale, come è accaduto con le bobine del Circo Togni che giacevano in condizioni drammatiche in un carrozzone abbandonato della famiglia circense. Home Movies presenta questi film in piattaforme eterogenee, festival cinematografici, simposi, workshop, Dj set e installazioni site specific.

A neon>campobase proietteremo Shadows di Tamara Gasparini e Trasporto di Katjuscia Fantini prodotti all'interno del corso di formazione Workimage (memoriadelleimmagini.it), e una selezione di balli e feste dell'alta società bolognese, proiettati con la pellicola originale in 8mm, e sonorizzati dal cineamatore Nino Gatti con musica dance fine anni 70 inizio 80. Un dancefloor che mostra la vulnerabilità e la seduzione di sguardi e corpi non abituati a essere ripresi dalla macchina da presa.
Del resto come scrive Marco Bertozzi in Storia del documentario italiano 'cosa significa cinema d’amatore? Qualcosa di inconsapevolmente dilettantesco? O un cinema vero appassionato, un cinema che appunto 'ama' che se ne infischia dei professionismi e dell’industria e reintroduce quella creatività 'casalinghe' sinora concesse quasi esclusivamente ad arti quali la poesia o la pittura? Ma non fa eco, in qualche modo, a tutti il cinema di Pasolini, di Grifi di Agosti? Agli splendidi documentari di De Seta girati con la moglie e un aiutante?...' Pensiamo inoltre a Jonas Mekas che ha più volte dichiarato di non fare nient’altro che home movies come se si trattasse di una sorta di diario infinito, piuttosto che il kinoglaz di Dziga Vertov, e ai tanti artisti che negli ultimi anni si sono confrontati con Found Footage e materiali d’archivio.

Playlist a cura di Antonio Grulli

2009-06-10T09:31:00.000-07:00

martedì 9 giugno ore 8.00

Dimmi con chi vai e ti dirò chi sei

Vi è una formula pseudo-matematica alla base della selezione di lavori di questa playlist.

Dato, come base di partenza, l’insieme "artisti di cui amo il lavoro", la scelta si basa essenzialmente su:

- coloro di questo gruppo che ho frequentato maggiormente

- quelli con cui ho condiviso momenti intensi

- quelli che ho sentito particolarmente vicini dal momento stesso in cui ho ideato questa playlist (ossia da un paio di mesetti), che lontanamente si lega al progetto La Pelle iniziato a Vittorio Veneto presso lo spazio espositivo Codalunga dell’artista Nico Vascellari

Parte dall’assunto (e da alcune belle chiacchierate fatte con Elvira Vannini e altri amici anni fa….) che i rapporti personali e le amicizie influenzano le nostre idee e la nostra sfera professionale più di quello che vorremmo far credere. E forse volevo un po' giocare anche con il luogo comune secondo cui le persone (nel mio caso i curatori…) tendono a far lavorare soprattutto i loro amici.

In questo caso sono totalmente felice di assumermi la responsabilità di far lavorare per questo progetto solo miei amici

- perché non solo ci riconosciamo nel prodotto del nostro lavoro, ma anche nel prodotto del lavoro delle persone con cui viviamo

- e perché non siamo solo quello che mangiamo ma anche quelli con cui mangiamo

Artisti:

Davide Bertocchi, Marco Bruzzone, Jacopo Candotti, Flavio Favelli, Michael Fliri, Elena Nemkova, Luigi Presicce, Lorenzo Scotto di Luzio, Nico Vascellari

Playlist a cura di Odile Orsi

2009-06-08T05:47:00.001-07:00

Lunedì 25 maggio
ore 8 pm

REAL/UNREAL

Alessandro Mancassola & Barbara Ceriani Basilico, Virgilio Villoresi & Vivì Ponti, Nat Wilms, Christian Rainer, Fani Zguro, Alessia Lusardi, Gianluca Ferrari, Giovanni Bellavia, Jonathan Gobbi, Karin Andersen, Iva Kontic, Samuele Belloni

Cosa viene considerato oggi reale e cosa irreale? Qual è la soglia di distinzione? C’è una distinzione?

L’era digitale ha portato cambiamenti che hanno coinvolto tutti gli ambiti dell’azione umana e sociale. Il potere dei nuovi media è in grado di frantumate le distinzioni tra 'dentro e fuori', tra personale e pubblico, moltiplicando le immagini dilatandole oltre misura. La distinzione tra il virtuale ed il reale viene offuscata riducendo progressivamente la capacità di conoscenza diretta della realtà.
Nella società occidentale le immagini tendono a prendere il sopravvento sulla realtà, i media contribuiscono a qualificare il nostro sentire, a intensificare l’esperienza di ciò che ci circonda.

Il video non è altro che un dispositivo che definisce le forme dell’esperienza assicurando la connessione dei media al mondo sociale, è un 'attrezzo' dello sguardo.

Partendo dal concetto che il video è mezzo attraverso il quale l’artista interpreta, racconta, immagina qualcosa, REAL/UNREAL gioca sull’idea ambigua e paradossale di ciò che è reale e ciò che non lo è.
Il progetto prevede dodici video in cui quattordici artisti utilizzano questo strumento come veicolo per raggiungere una 'dimensione altra' che può essere di volta in volta onirica, visionaria, documentaristica o cinematografica.
Attraverso il video, gli artisti interagiscono a diversi livelli con la realtà, si tratta di molteplici punti di vista che in modo inaspettato si mescolano vicendevolmente. Ecco che dalla dimensione onirica fiabesca, che comunque attinge dalla vita reale, si passa a quella di reportage, che a sua volta si astrae dal reale perché interpretato, filtrato, dal sentire dell’artista.

Il video funge da mediatore tra la verità assoluta nel momento in cui accade qualcosa e il pensiero dell’artista. Il montaggio, fondamentale in tutti i dodici lavori, permette una scelta che in alcuni casi enfatizzerà l’idea di sottrarsi completamente dalla realtà e in altri ne racconterà solo un frammento.

Playlist a cura di Marinella Paderni

2009-05-22T01:29:00.000-07:00

IL SILENZIO E’ ORO

a cura di Marinella Paderni

artisti: Maria Vittoria Perrelli, Dominique Petitgand, Steve Piccolo, Donatella Spaziani

Questa è una playlist di opere che non hanno immagini. All’immagine è stato sostituito il suono, alla visione l’ascolto, alla percezione visiva la sensorialità di tutto il corpo.

'La pelle è estensione dell’orecchio' dice Derrick de Kerckhove parlando della tattilità generata dalle nuove tecnologie '... e il suono aiuta ad assorbire l’accelerazione delle nostre vite'. Il corpo partecipa oggi alle immagini mediatiche, ma risponde ancora di più ai suoni, che consentono un’esperienza più autonoma e individuale del sentire e dell’immaginare.

Questa playlist si compone di lavori sonori realizzati da artisti visivi. Pare un ossimoro. Sono artisti che esplorano i territori del suono rispetto allo spazio (site specificity), alla narrazione, all’esperienza di un accadimento, alla relazione tra corpo e comunicazione, alla musica. Le loro opere invitano a 'immaginare senza immagini', a esperire altre dimensioni di senso che non siano riconducibili direttamente ad immagini esterne, ma alle immagini interiori proprie. La voce, il respiro, i rumori del corpo, i suoni dell’ambiente, la musica, il silenzio sono gli elementi del loro lavoro.

Maria Vittoria Perrelli presenta Scelgo (2009), un lavoro sonoro che riflette sulla natura della comunicazione umana, sul concetto di finzione e di verità delle parole rispetto alle cose che definiscono. Il genere della favola è scelto come metafora dell’assunzione di verità. La voce recitante di Federico Lacche narra la favola Giacomo di Cristallo, tratto dal libro 'Favole al telefono' di Gianni Rodari. In quest’opera è la voce a 'costruire' lo spazio della storia.

Anche per Dominique Petitgand la voce umana è la sostanza di cui sono fatte le sue opere. Le parole, i suoni del corpo, le voci individuali, le pause e i silenzi sono presentati dall’artista francese in frammenti sonori, récit e dialoghi, che creano nell’ambiente un universo immateriale sospeso tra realtà e finzione onirica. Quelqu'un est tombé (1993/2009), Le bout de la langue (1994/2009), La tête la première (1995/2009) e Aloof (2005/2006) sono stati adattati dall’artista per questa playlist, in quanto sono tutti lavori ideati come installazioni ambientali.

Di Steve Piccolo sono state scelte due opere-karaoke del 2009: Atrocity (karaoke for Vegetali Ignoti) e Choose One (birthday karaoke for Maurizio Nannucci), dedicato dall’artista a Maurizio Nannucci quale precursore italiano negli Settanta (insieme a Giuseppe Chiari) di lavori di sound art, Fluxus, ecc.

Sono lavori concepiti per essere completati dal pubblico, che è invitato a cantare sulle musiche seguendo le parole, scritte entrambe dall’artista.

Donatella Spaziani presenta Back Home (2002), un lavoro realizzato durante un viaggio da Stoccolma a Ghent, poi da Ghent a Roma in auto, adibita a postazione radiomobile. Ad ogni tappa corrispondeva una trasmissione radio in diretta, che comprendeva una scaletta di interviste e di lavori sonori. Per questa playlist Spaziani propone la registrazione audio del suo rientro a casa, in una serata autunnale, con tutti i suoni prodotti durante il breve percorso: le voci in un locale pubblico, il suono dei passi all'esterno, i vestiti che cadono e il respiro che rallenta fino al sonno.

L’altro lavoro, Maggio 2003, è concepito come un 'autoscatto sonoro', usando con il suono lo stesso metodo d’indagine della fotografia. E’ l’alternarsi di suoni all’interno di una quiete domestica, attraversata da fragorose interruzioni esterne. Mentre i rumori dello spazio interno sono stati registrati in diretta, quelli dell'esterno sono stati scelti in una campionatura di suoni standard che vanno dal "cantiere a cielo aperto" ai rumori del traffico.

Courtesy: r.a.m. radioartemobile, Roma.

Playlist a cura di Barbara Meneghel

2009-05-15T02:22:00.000-07:00

Ho popolato di nomi il silenzio
a cura di Barbara Meneghel

venerdì 15 maggio 2009 - ore 9 pm

(Ri)costruire una vita come si racconta una favola è un gesto che può assumere diverse connotazioni. Può essere il lavoro di scavo in un bacino di memoria autobiografica e familiare, anche solo facendo parlare il proprio passato. Può indicare il proposito di immaginarsi percorsi di vita altrui, di dar voce a identità sommerse da un silenzio finora fatalmente inevitabile. Può indicare, semplicemente, il desiderio di confrontarsi con la propria tradizione più diretta, per riconoscersi come parte di un flusso temporale - artistico e biografico al contempo. Estrapolato dal contesto dell’ermetica letteraria e nichilista (in cui indica più direttamente l’atto di creazione poetica), il verso di Giuseppe Ungaretti evoca il gesto intimamente creativo di restituire volti, voci, nomi a un passato dimenticato o dimenticabile. Dunque, al silenzio. È quello che hanno scelto di fare gli artisti selezionati, appartenenti per la maggior parte alla giovane scena italiana: li accomuna l’esigenza di restituire identità a quell’intreccio di passato - potenzialmente infinito - che ciascuno avverte come inscindibile dal proprio essere presente. Ognuno di loro affronta il tema della memoria archivistica e (auto)biografica, intrecciando i due piani con una prima fase di indagine d’archivio (ricerca di materiale iconografico e interviste) e una seconda operazione di (ri)costruzione narrativa sulla base del materiale reperito. Quest’ultimo può essere appartenente alla vita stessa dell’artista (foto di famiglia, documenti legati alla propria storia e al proprio passato personale), estraneo (ritrovato su bancarelle, mercatini, durante viaggi, ecc), oppure può semplicemente risultare dalla voce diretta dei protagonisti interrogati. A loro volta, le ricostruzioni biografiche raccontate nei video possono essere realmente legate al vissuto dell’artista, oppure completamente rivissute. L’elemento caratterizzante rimane però il lavoro di ricerca archivistica applicata al piano biografico-personale, che segna un’evidente tendenza al confronto con il passato. Come un continuo guadarsi allo specchio.

Mirko Smerdel, "Angel hair", 2007. 4 min 27 sec.
Moira Ricci, "Amore mio ti amo (muro)", 2001. 2 min.
Moira Ricci, "Amore mio ti amo (albero)", 2001. 3 min.
Maria Pecchioli, "Play ‘77", 2007. Loop
Maria Pecchioli, "Risorgimento", 2007. 1 min 37 sec.
Riccardo Giacconi, "Mia nonna legge le 21 ‘Tesi sul concetto di Storia’ di Walter Benjamin", 2007. 32 min 48 sec.
Francesca Grilli, “149.9 MHz, 2006. 5 min 23 sec.
Francesca Grilli, "Gordon", 2007. 7 min 7 sec.
Giulio Squillacciotti, "Far, from where we came", 2008. 8 min
Patrizio Di Massimo, "Pelo&Contropelo", 2007. 33 min 44 sec.
Ciro Vitale, "Ecco l’aprile", 2006. 11 min. Maggie Cardelùs, "Zoo age 10", 2007. 10 years. Courtesy Francesca Kaufmann, Milano.

Maggie Cardelùs: Alexandria, U.S.A., 1962. Vive e lavora a Milano.
Patrizio Di Massimo: Jesi (AN), 1983. Vive e lavora a Londra.
Riccardo Giacconi: SanSeverino Marche (MC), 1985. Vive e lavora a Venezia.
Francesca Grilli: Bologna, 1978. Vive e lavora ad Amsterdam.
Maria Pecchioli: Firenze, 1977. Vive e lavora a Milano.
Moira Ricci: Orbetello (GR), 1977. Vive e lavora a Milano e a Grosseto.
Mirko Smerdel: Prato, 1978. Vive e lavora a Milano e a Firenze.
Giulio Squillacciotti: Roma, 1982. Vive e lavora a Venezia.
Ciro Vitale: Scafati (SA), 1975. Vive e lavora a Scafati (SA).

Playlist a cura di Emanuele de Donno

2009-04-28T16:08:00.000-07:00

What kind of statues? a fox in fox tv.
Paradox of praxis - sometimes making something leads to nothing
a cura di Emanuele De Donno
giovedì 30 aprile_8.00 pm

Che tipo di statue? What kind of statues?

La scena al giardino di statue del MoMA di New York in Shadows di Cassavetes inizia un percorso di ombre video.

I trasporti eccezionali del cubo invisibile di Gino De Dominicis ad un museo,

del mattone di ghiaccio di Francis Alys : Paradox of praxis - sometimes making something leads to nothing.

Parate, imprese e relativi apparati, modern processions, hit parades che non conducono a nulla se non trasferimenti temporanei, in cui l’artista si fa facchino, mozzo, zorro, guardiano di notte e portiere di calcio.

Quale ruolo migliore per osservare una partita di calcio, quale luogo migliore per osservare, in consolle.

La play list avrà una pausa primo tempo in cui saranno proiettati dei trailers Cinema.

Video selezionati

Shadows John Cassavetes 1959

Fall I Los Angeles Bas Jan Ader 1970

Fall II Amsterdam Bas Jan Ader 1970

Railings Francis Alys 2005

The modern procession Francys Alys 2002

The Goalkeeper's Fear of the Penalty Wim Wenders, 1972

Zidane A 21st Century Portrait Douglas Gordon e Philippe Parreno 2006

Jacques Tati - Il portiere servizio su Rai Tre 2002

el zorro en el museo videonews di Fox TV su Nightwatch Francis Alys 2004

Play Time Jacques Tati 1967

Paradox of praxis - sometimes making something leads to nothing Francis Alys 1997

Trasporto eccezionale gruppo viaindustriae 2006

trailers Cinema

La Ragazza Con Gli Stivali Rossi (La Femme Aux Bottes Rouges) Juan Bunuel 1974

Viva Anna Biller 2006

Play Time Jacques Tati 1967

Here Is Always Somewhere Else Bas Jan Ader (1942-1975) / Documentary trailer

Rene Daalder 2007

Playlist a cura di Alberto Zanchetta

2009-04-28T16:07:00.000-07:00

PLAYLIST: Ex Ignorantia Ad Sapientiam; E Luce Ad Tenebras
a cura di Alberto Zanchetta
martedì 28 aprile_8.00 pm

La playlist curata da Alberto Zanchetta è concepita come un nostalgico tributo alla tecnologia analogica. Contributi da film in videocassetta (il nastro magnetico ricorda da vicino la pellicola cinematografica) saranno inseriti manualmente per enfatizzare i tempi morti in cui il nastro magnetico viene inserito o sostituito nel videoregistratore, così come per valorizzare i rumori “sordi” prodotti dal tasto Play, Stop ed Eject. La proiezione degli estratti, da film noti e meno noti, subirà l’in(ter)ferenza di un video DVD di Jacopo Mazzonelli [artista visivo, classe 1983, nato a Trento, dove vive e lavora]; tra passato e presente, tecnologie vecchie e nuove, le proiezioni creeranno un labirinto di coincidenze, analogie, suggestioni intorno al tema della devitalizzazione e della desensibilizzazione umana.

Per l’ouverture della playlist sono stati scelti i titoli di testa del celebre Psycho [1960] di Alfred Hitchcock, capolavoro grafico realizzato da Saul Bass e cadenzato dai toni orchestrali di Bernard Hermann; il tema musicale sarà poi ripreso e rivisitato da un altro capolavoro, questa volta del genere horror: Re-Animator [1985] di Stuart Gordon. Liberamente tratto dal racconto Herbert Wells, professione rianimatore di H.P.Lovecraft, i titoli di testa dello splatter-movie si articolano in un sapiente cut-and-paste di famosi disegni anatomici, scorticati umani che fanno da preambolo alle ricerche scientifiche di una immaginaria università dell’Arkham.

Dalla Miskatonic Univerity di Gordon/Lovecraft accediamo quindi ad altri cinque istituti di cura: nel mediometraggio Crime of the future [1970] di David Cronenberg – proposto qui integralmente – assistiamo a una carrellata di pazienti affetti da anomalie fisiche, stravaganti malattie, mutazioni ed evoluzioni genetiche. A questo punto sorge spontanea una domanda: ci fanno più paura i morti (di Gordon) o i vivi (di Cronenberg)? La verità è che temiamo il bizzarro, ossia ciò che non conosciamo. Quell’ignoto che potrebbe nascondersi anche dietro una semplice porta.

Nel video Doors [2008], Jacopo Mazzonelli isola dai film di Hitchock delle scene in cui i protagonisti aprono e chiudono delle porte; montate in sequenza, le porte divengono accessi privilegiati per ambienti e situazioni sconnesse tra di loro. L’artista capovolge quindi le precise caratteristiche formali e narrative a favore di un non-sense generalizzato, reso ancor più claustrofobico da un accompagnamento musicale che parafrasa il tema di Psycho e che è stato depurato dal suo elemento ritmico.

A seguire, il finale di Kafka [1991] di Steven Sodebergh che, come nel video di Mazzonelli, passa da una ispirata grisaglia all’irruzione del colore. Nella rilettura pseudo-biografica dello scrittore cèco gli incubi e i deliri ci conducono alla scoperta di una “società assicurativa”, di un "processo" e di un “castello” in cui vengono torturati e trapanati i cervelli di involontarie cavie umane. Sullo sfumare dei titoli di coda, il film si ricollega idealmente all’incipit hitchockiano: un viaggio nel dispendio – quello dell’ignoto umano – trattato con algida, quasi clinica, perizia. (Un puzzle all’infinito… in loop…).

Parallelamente alla playlist, verrà allestita una esposizione monografica di Jacopo Mazzonelli in cui la proiezione in DVD del video Doors si richiama a un ritaglio di giornale che riporta l’articolo “Requiem per il VHS”; l’avvento del DVD, e più recentemente del Blu-Ray, hanno infatti segnato i rintocchi a morto del supporto audiovisivo, che aveva dominato il mercato dell’Homo video per più di un quarto di secolo. Contrariamente al VHS e agli audio-tape, che non offrono una definizione ad alta qualità, i dischi in vinile resistono all’obsolescenza tecnologica (ci torna nuovamente in aiuto Lovecraft, spiegando che il dato più profondamente drammatico e severamente orribile dell’universo è il conflitto con il tempo: «il più potente e fruttuoso soggetto nell’ambito dell’espressività umana»).

In questo senso, la ricerca di Mazzonelli lavora costantemente sull’aspetto musicale-percettivo del suono nell’ambito della modernità, e dall’altro declina lo stesso in ambito plastico e videoartistico, applicando criteri di ordine compositivo-musicale all’elaborazione artistica. Le sue ricerche si legano alla dimensione non solo espressiva, ma anche esoterica, percettiva o politica del suono. Ogni intervento dell’artista mira a funzionare come un modello autosufficiente nel quale senso e struttura azionano un meccanismo circolare di rimandi, fortemente simbolici e perfettamente finiti. Mentre l’opera Pavane for a dead child riprende il “canto del cigno” della Playlist, con la serie Bird is not a bird l’artista presenta uno dei cicli che ha recentemente elaborato intorno alla figura di Charlie “Bird” Parker. Morto a 35 anni, dopo una vita infelice segnata dall’eroina, Paker riassume in sé un’intera generazione di jazzisti formidabili, in cui l’uso e l’abuso di droghe facevano da contraltare ad un inesauribile estro musicale.

La serie su Parker si presenta come un ipotetico monumento funebre, composto da una serie di vinili incisi dallo stesso jazzista - Bird on Dial - e un’installazione a terra in cui una siringa degli anni ’40 sostituisce la puntina di un giradischi (virtuale perché dipinto a terra), anch’esso deformato come i vinili che lo sovrastano. La deformazione dei dischi e la loro successiva plastificazione testimoniano una sorta di violenza operativa che l’artista impone all’oggetto (il quale smette di suonare e si svuota della sua funzione primaria per divenire elemento plastico, scultoreo, denaturato e artificiale).

L’opera è la terza dell’omonima serie. In questo caso l’artista utilizza quattro buste che servivano a proteggere i vinili dell’edizione originale di Bird on Dial. Montate a coppie, esse formano una sorta di eclisse lunare ottenuta dalla sovrapposizione delle circonferenze centrali. Due neon, montati a muro in corrispondenza delle teche, illuminano la carta sbiadita delle buste tagliando la composizione in senso orizzontale. L’elemento “tragico”, che aveva segnato e caratterizzato l’esistenza di Parker, viene qui formalizzato attraverso un’oscurità (solo apparente) che si di-mostra attraverso il suo contrario: la luce.

Costruita sulla falsariga del clavicordo, strumento musicale in uso tra Cinque e Settecento, l’opera Pavane for a dead child indaga i rapporti tra l’elemento plastico-scultoreo e la reazione emotiva del fruitore. Adagiata a terra come fosse una bara per bambini, l’opera è sia una scultura che uno strumento musicale pronto all’uso. Il titolo cita l’opera musicale Pavane Pour Une Enfant Défunte [1899] di Maurice Ravel, composizione che conserva nel titolo e nella scrittura un eco del mondo barocco (la Pavana è una danza di corte - in metro binario e di andamento moderato - che sostituì nel primo quarto del XVI secolo la Basse, e che ebbe il suo periodo di splendore nel XVI e XVII secolo).

VIDEO SELEZIONATI:

Alfred Hitchcock, Psycho, 1960. Film (Usa)

Stuart Gordon, Re-Animator, 1985. Film (Usa)

David Cronenberg, Crime of the future, 1970. Film (Canada)

Jacopo Mazzonelli, Doors, 2008. Video (Italia)

Steven Sodebergh, Kafka, 1991. Film (Usa/Francia)

Palylist a cura di Lorenzo Taiuti

2009-04-21T09:44:00.000-07:00

Videoformalismi
a cura di Lorenzo Taiuti
giovedì 23 aprile 2009

È passato più di un decennio dall’apparizione di Bill Viola al Padiglione americano alla Biennale di Venezia e dal conseguente inserimento del video fra gli strumenti espressivi alla pari degli altri usati nell’arte contemporanea.
L’enorme successo del gruppo degli “Young British” degli anni novanta ha reso visibile quella videoarte che era stata durante gli anni ottanta una variante alternativa, separatista e attivista al ritorno alla pittura della Transavanguardia.
La finale legittimazione delle due Biennali di Szeeman ha indicato nel video come nella fotografia i due media portanti dell’uscita dalla problematica postmoderna.
È curioso però che questa responsabilizzazione del video abbia portato ad alcune scelte che ridiscutono le sue premesse di linguaggio che critica e formalizza l’anonimato linguistico della televisione. La casualità e la volontaria sciattezza sono diventati gli elementi connotanti una “videoespansione” che ha toccato (anche se in forma sporadica ) quasi tutti gli artisti contemporanei.
Un’ estetica da CNN sui teatri di guerra era la dominante di Documenta di qualche anno fa, il talk show italiano e la “verità” del video amatoriale ha rimpiazzato lo sperimentalismo formale degli anni ottanta.
Certo con le dovute eccezioni, come il bel lavoro di Shirin Neshat, di Sam Taylor Wood e di Tony Oursler.
Ma di fronte all’integrazione del video sembra giusto porsi di nuovo le classiche domande della sperimentazione contemporanea sulla necessità della forma come elemento di verità e necessità di un linguaggio, il video, che deve ricavare la sua qualità espressiva con un necessario scarto dall’universo televisivo e dalla proliferazione della comunicazione audiovisiva sulla rete e attraverso cellulari, schermi a plasma e nei mille diversi modi che stiamo vivendo.
Come negli anni 80 “Video Is Not Television!”

I tre autori che presento alla Galleria Neon sotto il titolo di “Videoformalismi” presentano tre modi diversamente interessanti e formalizzanti di usare il video.
“Absolutely Cuckoo” degli “Elastic Group” utilizza sistematicamente degli effetti di distorsione e morphing per organizzare una narrazione della “sorpresa” visiva.
Così come in altri loro lavori l’uso di obiettivi a ultrarosso immergono le cose in una luce verdastra e spettrale.
Marinella Senatore in "All the things i need" presenta un eccentrico musical, dove persone fotografate con luci e tecniche accurate e “cinematografiche” cantano melanconicamente desideri e paure, in interni/memoria che rinviano a molto cinema d’autore e insieme alla tradizione del cinema musicale.
Il norvegese Crispin Gurholt lavora su “tableaux vivants” collocati in situazioni diverse e a volte, come in questo caso, nell’ambiente d’arte.
Nel suo video “Vernissage” ferma in un “freeze” glaciale i gesti e gli atteggiamenti tipici del sistema dell’arte nella cerimonia che maggiormente oggi lo rappresenta: il Vernissage.
Fermati nel tempo e nel dato culturale i personaggi ( attori ) sono monumento all’aspetto cerimoniale dell’arte e al suo “raffreddarsi” come funzione linguistica.
I valori “stilizzanti” presenti nei tre lavori affermano un dato che mi sembra importante: la centralità del formalismo visivo nell’uso del video oggi, irrinunciabile elemento espressivo del linguaggio audiovisivo.

VIDEO SELEZIONATI:

Elastic Group OF Artistic Research, Absolutely Cuckoo.
Gli “Elastic Group OF Artistic Research” sono un duo formato da Alexandro Ladaga e Silvia Mantega ( www.elasticgroup.com ) operanti a Roma.
Hanno al loro attivo numerose mostre individuali e di gruppo e un invito alla Biennale di Venezia.

Marinella Senatore, All the things i need, 2006.
Marinella Senatore ha partecipato a numerose mostre fra cui “Italics” a Palazzo Grassi e la Triennale di Torino, lavora fra Roma e Madrid.

Crispin Gurholt, Vernissage, 2006.
Crispin Gurholt, norvegese, lavora con performance, video e fotografia, ha esposto più volte sia in patria che in diverse gallerie europee oltre che a Roma e a Venezia nel 2007.

Playlist a cura di Pier Luigi Tazzi

2009-04-21T09:42:00.000-07:00

Loop
a cura di Pier Luigi Tazzi
giovedì 16 aprile 2009

Pier Luigi Tazzi per Playlist presenta LOOP, una sequenza di sette opere in video di altrettanti artisti di diversa formazione e provenienza, intervallate da siparietti realizzati in congruamente dal curatore stesso. Ciascuna opera e siparietto, a parte una, sono stati pensati e strutturati in loop, una modalità ampiamente adottata in opere che utilizzano il video come medium. Il loop indica l’eterno ritorno, la circolarità del tempo, il superamento della linearità narrativa a termine, come un mantra visivo salvifico e apotropaico. A Neoncampobase la sequenza dà luogo ad un fondale che varia con una propria lentezza aprendosi ogni volta su un diverso orizzonte.
Sono le opere Kids on the Boat, 2003, di Giovanni Ozzola (Firenze 1982, vive a Prato), Abbandono, 2004, di Sabrina Mezzaqui (Bologna 1964, vive a Marzabotto), Al Aqsa Park, 2006 di Wael Shawky (Eskendereyya 1971, vive a Eskendereyya), Progetto per disperdere energia, 2007, di Michelangelo Consani (Livorno 1971, vive a Castellanselmo), One Drop, 2008, di Robert Pettena (Pembury 1970, vive a Firenze), EX-C-F1, 2008-2009, di Huang Shih-Chieh (Taipei 1975, vive a New York) e Running Angle, 2009 e prima mondiale, di Maitree Siriboom (Ubon Rathchatani 1983, vive a Bangkok).

Ogni impresa di questo tipo implica la partecipazione a vario titolo di molte persone, che qui vorrei ringraziare: anzitutto gli artisti, e Robert Pettena in particolare che ha offerto le proprie capacità, le proprie attrezzature e il proprio tempo per la realizzazione di questa playlist. Ringraziamenti speciali vanno a: la vasta famiglia dei Rengjaras della Provincia di Kalasin, e in particolare il mio amico Ball, unitamente agli abitanti del villaggio di Ban Chot; Vanni Bassetti, Prato; Verusca Piazzesi e la Galleria Continua di San Gimignano, Pechino e Parigi; Claudio Poleschi e suo figlio Davide, Lucca; Lapo Ruggeri, Calenzano; Merve Berkman e sua madre, Beykoz; Reinhart Frais e Nim Kruasaeng, Pattaya.

Palylist a cura di Eléonore Grassi

2009-04-21T09:38:00.000-07:00

Visioni del mondo
a cura di Eléonore Grassi
1 aprile 2009 ore 20.00

La parola tedesca Weltanschauung esprime in un solo termine un concetto complesso che può essere tradotto con “visione (o concezione) del mondo”, propria di un individuo, di un gruppo o di un dato periodo storico.
Anche un’opera d’arte può essere considerata una visione del mondo.
Nella selezione di video presentata si susseguono e si intersecano diversi tipi di visioni: esterne, interiori, personali, collettive, generazionali. 12 video dalla natura più varia: videoarte, fotografia, cinema, teatro, poesia, ricerche sonore; diversi modi di approcciare la realtà, di osservarla e di riprenderla/interpretarla, nell’idea che la diversità e la pluralità delle visioni e dei linguaggi siano necessarie per riflettere e comprendere caos e complessità.
La scelta si è orientata sulla produzione contemporanea di artisti italiani più o meno emergenti.
Idealmente legata alla mostra Worldmaking, Visioni del mondo è una riflessione sul mondo ma da un altro punto di vista.

Si ringraziano gli artisti per i video e la collaborazione; Luca Ghedini e Luciano Maggiore per il montaggio.

Alice Guareschi, Untitled (fall), 2005, miniDV, 14’

Luciano Maggiore, Nocturne and back way, 2008, miniDV, 7’ 03’’

Davide Tidoni, Butisì (Sound Space Researcher #07), 2007, miniDV, 7’ 06’’

Luca Nostri, The man comes around - David Farrell sulla via Francigena, 2008, digitale (da Leica), 8’16’’

Giuseppe Tedeschi, Haiku, 2007, digitale (da telefono cellulare), 2’ 54’’

Luna Amato, Videopoesia, 2004, miniDV, 2’ 10’’

Pietro Babina, Psyche, 1998, video 8, 5’.

Francesca Grilli, Gordon, 2007, film 16 mm, 7’ 07’’

Elio Castellana, Una Cena, 2008, HD, 5’

Maura Delpero, in collaborazione con Gianluca Mattei, Four Tracks from Ossigeno, 2008, miniDV, 9’

Babilonia Teatri, Made in Italy, 2007, digitale, 17’ 30’’

Moira Ricci, Ora sento la musica, chiudo gli occhi, sento il ritmo che mi avvolge, fa presa nel mio cuore, 2007, video VHS, 5’

Playlist a cura di Emanuela Nobile Mino

2009-03-25T08:48:00.000-07:00

A KIND OF MAGIC
a cura di Emanuela Nobile Mino

La grande innovazione insita nella scoperta e nell’attuazione dell’immagine in movimento sta, secondo Bill Viola, nel fatto che il video per default comporta ed esige non la semplice attenzione o presenza fisica ma il coinvolgimento diretto, sensoriale dello spettatore, sviluppando con questo un rapporto 1:1 e agendo, più che qualsiasi altra forma di rappresentazione, sulle capacità percettive di chi osserva, soprattutto quando mette in scena realtà innaturali, immaginifiche o presenta riproduzioni artificiali e artificiose in grado di provocare un ribaltamento del senso di realtà, scatenando inevitabilmente reazioni differenti nei singoli soggetti.

L’immagine in movimento ha di fatto, fin da principio, restituito all’uomo la possibilità di liberare quell’istinto congenito di indagare la sfera che si interpone tra la realtà contingente e quella assoluta, spirituale, ignota. Fornendogli una concreta opportunità di ipotizzarla rappresentandola nei modi più vari, muovendosi agilmente su quella linea d’ombra che separa, senza demarcarle, realtà e irrealtà.

Il video ha incarnato l’opportunità di dare corpo e rendere condivisibili visioni individuali, oniriche, mentali e ha contribuito a caricare non solo la prefigurazione fantastica del futuro dei significati e delle valenze più varie, il più delle volte fornendo anticipazioni in grado di iscriversi nella mente dello spettatore attraverso espedienti ottici e manipolazioni iconografiche di grande suggestione; ma ha anche concorso ad attribuire al tempo presente una sua possibile altra estensione, coeva e parallela, in una meta-realtà, esteticamente credibile.

Questo tipo di escamotages tecnico/estetici propri del cinema come del video, insomma le potenzialità dell’immagine in movimento, sono oggi più che mai acquisiti e la loro applicabilità abbondantemente sperimentata, tanto che il termine virtualità non suscita più alcun infervoramento.

A Kind of Magic playlist si fonda proprio su questo assunto e intende di proposito concentrarsi e creare un percorso - volutamente un po’ sbilenco, poco lineare e per forza di cose lacunoso - attraverso alcuni diversi esempi di visual trickery costruiti attraverso l’impiego di low technology. Ovvero declinazioni video che si articolano in storyboards in grado di far insorgere nello spettatore il senso di meraviglia, di illusione e di incanto, nonostante il carattere semplicistico-sperimentale o l’inclinazione pauperistica della loro struttura dovuta sia al mancato utilizzo di espedienti tecnologici altamente avanzati (necessariamente negli estratti storici, intenzionalmente nei lavori più recenti), che all’ambiguità stessa dell’immagine. Dimostrando come sia possibile suscitare emozione e interrogativi e produrre significato attraverso la manipolazione seppur minima dell’immagine, con un inganno ottico dato una particolare giustapposizione di luci, con una anomala sovrapposizione di sequenze, con enigmi ottici, con il montaggio. Più o meno quanto avviene in maniera più sofisticata ma altrettanto pura in alcuni lavori tridimensionali (James Turrell, Olafur Eliasson, Anish Kapoor, Leandro Erlich, Thomas Demand, Urs Fisher, Fischli&Weiss, ecc.), la cui visione “via video”, imponendo uno specifico punto di osservazione, riesce a volte ad accentuarne i valori illusionistici (queste tematiche saranno sviluppate ed approfondite nel progetto di mostra che inaugurerò a Praga a novembre 2009).

A Kind of Magic playlist, attraverso video di differente natura, epoca e provenienza, per lo più scaricati da YouTube (spezzoni di film, video d’artista, video clip, documentazioni di mostre, filmati di ignoti, ecc.), pone la questione di come con relativa facilità l’occhio dello spettatore possa essere tradito e messo sotto scacco da effetti anche molto poco speciali, in particolar modo quando un medium si interpone all’esperienza diretta, filtrando il dato reale e restituendolo sotto una data prospettiva in grado di mutarne i connotati sia epidermici che sostanziali.

Concentrandosi sul potere destabilizzante e surprising della rappresentazione, A Kind of Magic riflette sull’ingannevole natura del rapporto interattivo che automaticamente si crea tra visione e percezione, occhio e mente, opera e spettatore, realtà e sogno, materia e fantasma.

Playlist a cura di Viviana Checchia

2009-03-17T09:53:00.000-07:00

Tusovka, atto II
Videoart in Slovakia
a cura di Viviana Checchia

Nello scenario dell’Est Europa l’esempio della Slovacchia è paradigmatico per comprendere come la fine del totalitarismo ha segnato il passaggio dall’esistenzialismo al consumismo.
Questo assioma corre in parallelo con quanto Milan Kundera affermava a proposito dell’ideologia, sostituita dall’imagologia: "Le ideologie facevano parte della storia, mentre il dominio dell' imagologia inizia là dove la storia finisce"
L’imagologia, per lo meno in ambito letterario, si pone come obbiettivo quello di comparare le immagini verbali e narrative mettendole a confronto. Rappresenta, quindi, uno studio di immagini, che non sono mai caratterizzate da una immediatezza di comprensione. Questa operazione di confronto può aiutare ad avvicinarci alla conoscenza dell’Altro senza incorrere in pregiudizi o stereotipi, e rappresenta lo sforzo che viene richiesto per entrare nel vivo di questa Playlist slovacca.
L’inizio degli anni Novanta è stato caratterizzato dalla “caduta del muro”, un avvenimento che ha sconvolto un ordine che sembrava indistruttibile.
Da quel momento abbiamo scoperto che nell’Est avevamo dei “vicini” e ci siamo accorti che la distanza che ci separava da loro non era poi così grande.
Grazie alla diffusione di Internet, dagli anni Novanta in poi, queste distanze sono andate annullandosi. Allo stesso tempo, il video, insieme ai new media, è diventato il nuovo mezzo di comunicazione artistica prendendo il sopravvento sulle arti visive. Questo ha agevolato anche in Slovakia la democratizzazione dell’arte.
La digitalizzazione e la globalizzazione hanno favorito quello che si può definire il boom della video arte e della digital art.
Il video si è diffuso così in varie forme: videotapes, video installations, video films, o video performances.
La separazione che il muro aveva creato metteva in evidenza l’ignoranza di un universo culturale che continuava a creare e ad inventare.
Scopriamo così una realtà d’avanguardia anche nel campo della videoarte, per noi, purtroppo, sconosciuta ma fortunatamente preservata dagli eccessi di commercializzazione propri del mondo occidentale.
Essa ha mantenuto tutta la sua integrità espressiva fino a divenire, oggi, una fonte di creatività che non possiamo di certo ignorare.
Esistono dei temi ricorrenti che accompagnano la produzione video degli artisti slovacchi, dai più affermati ai più giovani; si parla di identità, di linguaggio, di aspetti sociali, urbani, paesaggistici …
Tutto ciò è frutto di un profondo “cambiamento”. Questa parola, così cara alla nostra vecchia Europa, ha così acquistato un senso nuovo, non si riferisce più ad una fase, parte di una continua evoluzione, ma ad uno spostamento da un luogo all’altro.
Sono gli imagologi che hanno creato questi significati, sistemi di ideali ed anti ideali. Questi sistemi hanno breve durata, vengono continuamente sostituiti da nuovi aggiornamenti, ma , nonostante ciò, influenzano il nostro comportamento, le nostre opinioni ed il nostro gusto estetico, nello stesso modo in cui un tempo riuscivano a dominarci i sistemi degli ideologi.
Può sembrar strano, ma l’attuale ondata globalizzatrice che sconvolge il mondo intero trova gli europei dell’est, e quindi anche gli slovacchi, più assuefatti di noi occidentali a quell’inevitabile livellamento del gusto e dei comportamenti che ne deriva e ciò per il fatto stesso di aver loro invece dovuto, in passato, sopportare il giogo di un regime totalitario.
Non è strano però che, proprio per questi motivi, più forte è la loro reazione , in quanto abituati alla lotta ed alla resistenza, con un convinto impegno nella ricerca di una identità individuale.
Se per noi occidentali la libertà è un’abitudine di cui fingiamo quasi di non più accorgerci, per gli slovacchi averla così di recente ritrovata è una gioia che traspare con evidenza nell’impegno e nell’entusiasmo che trasfondono nella loro attività creatrice.

VIDEO SELEZIONATI:

Dusan Zahoransky, The Georgian summer, 2006

Mira Gáberová, Between, 2005

Mira Gáberová, Forever, 2006

Maja Stefanicová, Dictionary: 77 entries, 2007

Lenka Klimešová, Beautiful is…, 2009

Radovan Bries, CEZ OKNO, 2006/2007

Radovan Bries, Myšlienky, 2009

Stanislav Veselovskŷ, Urban orchester, 2008

Anna Tretter, O.T. , 1997-2002

Petra Ferancova, Forward

Andrea Chrenová e Monika Kováčová, Walk on by, 2009

Richard Kitta, NatuREcord

Andràs Csèfalvay, Cyberclasm, 2008

Andràs Csèfalvay, Harakiri, 2008

Michal Kačmar e Jaro Vaľko , Rember your friends

Martin Kicka, Way home

Matej Papik, Prayers, 2007

Ivana Kohlhammerová , MOveMENT, 2007

Lukáš Matejka, 20m

Lukáš Matejka, Digital Sculler, 2007

Marek Stolarcik, OUTLINE, 2007

Marián Balko, nosirP, 2008

Martin Palkov, catharsis, 2007

Martin Palkov, Vykukanie, 2006/2007

Michal Murin, KO, 2006

Ondrej Vozarik, HANDSFREE, 2007/2008

Eja Devečková, Gestures, 2008

Jana Bubelinyova, Untitled

Boris Vaitovic, short town, 2000

Boris Vaitovic, Own Life, 2005

Richard Kitta, in (vhs) memory of jp2, 2005

Illah van Oijen, The impossible, 2008

Olga Pastekova, In the Wind

Matúš Lányi, Revelation, 2006

Miro Nicz, Stiky sweet, 1996

Adriana Janechová, Jump to the other age, 2008

Zuzana Masárová, Faidon, 2007/2008

Playlist a cura di Angela Madesani

2009-03-02T13:58:00.000-08:00

Grandi classici e nuove proposte dal 1963 a oggi
a cura di Angela Madesani.

VIDEO SELEZIONATI:

Bruno Sorlini, Untuned 1, 2006

Cioni Carpi, Un giorno un aereo, 1963

William Kentridge, Zeno writing, 2002

Fischli e Weiss, The point of least resistente, 1981

Hiroyuki Masuyama, 01.01.2001 31.12.2001, 2002

Elisabetta Müller, Hell of delight, 2007

Carlo M.Schirinzi, Arca di concentramento, 2008

Manuela Cirino, Moi e Les Mistons, 2005

Mammafotogramma, Aztrokitifk & Mario, 2008

Luisa Rabbia, Travels with Isabella, 2008

Pierpaolo Curti, Poliedro, 2007

Davide Skerlj, Monumento zero, 2006

Devis Venturelli, Continuum, 2008

Bruno Sorlini, Space time, 2008

Playlist a cura di Ilaria Gianni

2009-02-25T15:24:00.000-08:00

The kingdom of construction

L’ intenzione di Andy Warhol era di costituire un canale televisivo tutto per sé, in modo tale da potersi ulteriormente rappresentare e promuovere, ma soprattutto per avere il completo controllo sulla costruzione della sua immagine. Questa ultima tappa, doveva rappresentare il coronamento della sua posizione, della sua pratica, della sua missione.
In un momento storico che ha vissuto il passaggio della società dello spettacolo debordiana, della società simulacrale baudrillardiana e che ha superato i paradigmi dei modernismi e di tutti i ‘post’ che ne sono seguiti, il breve percorso di video presentati intende evidenziare la possibilità di rappresentazione del sé e del conseguente controllo sul proprio io. Senza voler entrare in territori psicoanalitici, prendendo in considerazione il rapporto tra storia e finzione, utopie e desideri, sensibilità e artificio, immaginario e confessione, simulazione e cospirazione, si analizza la reazione nei confronti del consumo dell’immagine e dell’identità, della rappresentazione e della verità, del processo plasmate imposto, decostruito e consapevole.

Video selezionati: La condizione: simulazione, Andy e Larry Wachowski, The Matrix, 1999 / La finzione: realtà nell’illusione, Slavoj Zizek, The Pervert’s Guide to Cinema, 2006 / La costruzione, Bonnie Camplin, Special Afflictions by Roy Harryhozen, 2006, Courtesy Cabinet, London / La trasformazione, Dara Birnabum, Technology / Transformation, 1978 / Il ruolo, Ed Young, It’s not easy, 2004, Courtesy of the artist / La confessione, Artemio, Apoocalypse Now, 2002, Courtesy of the artist / The Hours, See the light, 2008 / Lo sdoppiamento, Carola Bonfili, Vegeto, 2006, Courtesy of e x t r a s p a z i o, Roma / Allen Smithee mix/L’inconscio, allsopp&weir, Nudge Nudge Wink Wink Say No Fucking More, 2007, Courtesy of the artists / La presa di coscienza ,Larry Clark, Kids (extract) / La consapevolezza, Leigh Bowery at Anthony d’Offay Gallery, 1988.

Playlist a cura di Cecilia Guida

2009-02-03T08:30:00.000-08:00

Datti Tempo

In una famosa scena del film “Safety Last” (1923) il protagonista, Harold Lloyd, è impegnato in una folle scalata di un grattacielo per una trovata pubblicitaria; a un certo punto rimane sospeso nel vuoto e si salva aggrappandosi alle lancette di un orologio mezzo divelto. Questa immagine mi sembra una rappresentazione divertente dell’importanza o addirittura del nostro attaccamento al tempo. Tendiamo a pensare al tempo solo in termini di attività da svolgere. Tale percezione è un retaggio culturale della società industriale che però l’uso di internet e la conseguente contrazione dei tempi della ricerca e della comunicazione hanno amplificato. La variabile temporale è la principale unità di misura della nostra produttività e raramente prestiamo attenzione al passar del tempo in sé e per sé e, quando accade, questo assume un’accezione negativa, diventa attesa di qualcosa che vorremmo immediatamente. “Datti tempo” è una selezione di video d’artista storici e contemporanei, spezzoni di film e videoclip che focalizzano sul senso e sull’esperienza interiore del tempo. L’idea che li accomuna è quella di prendere una pausa dall’ansia del fare e darsi tempo per riflettere, cercare di capire e appropriarsi di un pensiero o di un ricordo.

I video sono legati tra loro sulla base di libere associazioni (seguendo il meccanismo di youtube, ovvero di un’ideale affinità di tipo concettuale) e riflettono sullo scorrere del tempo inteso come pura durata (One Year Performance 1980-1981 di Techching Hsieh e One Year Performance 1983-1984 con Linda Montano), introspezione (Wavelength di Michael Snow), comprensione (Fake Stone di Sislej Xhafa), meditazione (Lost in meditation di Cesare Viel), cambiamento della forma delle cose (On the Turn di Barbara Fassler), percorso (Donat to Spiral di Deborah Logorio) e ricordo (Souvenir d’Italia di PetriPaselli). Se l’inizio della playlist è silenzioso e divertente, il finale diventa sonoro e triste. La selezione si chiude con un riferimento alla temporaneità della vita e con i Pink Floyd che cantano: “Il tempo è andato, la canzone è finita anche se avrei altro da dire”.

Si ringraziano gli artisti, il Magazzino d’Arte Moderna di Roma, la Galleria Francesca Minini e Care of di Milano.

Video selezionati: Safety Last di Harold Lloyd, 1923 Can’t Stop dei Red Hot Chili Peppers (ispirato alle sculture di un minuto di Erwin Wurm) Alice in Wonderland di Norman McLeod, 1993 Sislej Xhafa, Fake Stone, 2003 Michael Snow, Wavelength, 1967 Cesare Viel, Lost in meditation, 1999 Modern Times di Charlie Chaplin, 1936 Tehching Hsieh, One Year Performance 1980-1981, 1980-81 Linda Montano e Tehching Hsieh, One Year Performance 1983-1984, 1983-84 Barbara Fassler, On the Turn, Deborah Ligorio, Donut to Spiral, 2004 Sans soleil di Chris Marker, 1983 PetriPaselli, Souvenir d’Italia, 2008 The Perfect Human di Jorgen Leth, 1967 Le cinque variazioni di Lars von Trier, 2003 La Jetée di Chris Marker, 1962 Memento di Christopher Nolan, 2000 Il settimo sigillo di Ingmar Bergman, 1957 Time dei Pink Floyd

neon>video

2009-02-03T08:28:00.000-08:00

neon>video è un progetto aperto che raccoglie una selezione di opere di artisti che animano il panorama della videoarte in Italia e all’estero.

la PLAYLIST di giovedì 29 gennaio - dalle 20.00 alle 22.00 - propone una scaletta costruita prelevando materiali dai video raccolti, quelli che
trovate elencati di seguito: quali?

1/ WALL
autore / artist : Stefano Mandracchia
anno / year : 2006
durata / time : 24’ 34’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

2/ SARTOR RESARTUS
autore/artist: Mili Romano
anno/year: 2005
durata/time: 4’ 16’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

3/ CIRCOLARE
autore / artist: Luca Trevisani
anno / year: 2005
durata / time: loop
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

4/ TELEDISCOUNT
autore / artist: Stefano Pasquini
anno / year: 2005
durata / time: 25’ 25’’
bonus track: L’ARTISTA NON DEVE PARLARE DEL PROPRIO LAVORO
autori /artists: Marco Mango e Stefano Pasquini
anno / year: 2002
tipo / type :video digitale su dvd/digital video on dvd

5/ No_MADE
autore/artist: Marco Bernacchia
anno/year: 2005
durata/time: 4’ 13’’
sound: AL:ARM!
video digitale su dvd/digital video on dvd

6/ VIVERE
autore/artist:Giancarlo Norese
anno/year: 2000-2001
durata/time: 7’41’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

7/ BARREN BARREL
autore/artist: Alberto Zanazzo
anno/year: 2002
durata/time: 3’
video digitale su dvd/digital video on dvd

8/ BIG
autore/artist: Sabrina Muzi
anno/year: 2002
durata/time: ‘6
video digitale su dvd/digital video on dvd

9/ AUTORITRATTO - IN ASSENZA
autore/artist: Elena Cologni
anno/year: 2004
durata/time: 1’ 36’’
mini dv trasferito su dvd/mini dv on dvd

10/ BORDELLO
autore/artist: Sukran Moral
anno/year: 1997
durata/time: 8’ 30’’
betacam trasferito su dvd/betacam on dvd

11/ DIALOGO TRA UN ARTISTA E UN DIRETTORE DI MUSEI
autore/artist: Anna Valeria Borsari
anno/year: 2005
durata/time: 2’ 58’’ loop
video digitale su dvd/digital video on dvd

12/ SOUL NUMBER 2
autore / artist: TU M’
anno / year: 2006
durata / time: 5’ 08’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

13/ FIGLI
autore / artist: Maria Vittoria Perrelli
anno / year: 2005
durata / time: 1’ 00’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

14/ PENELOPE ADDIO
autore / artist: Silvia Cini
anno / year: 2005
durata / time: 1’ 44’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

15/ 1997 FOOTSTEPS BETWEEN ME AND THE QUEEN
autore/artist: Beatrice Catanzaro
anno/year: 2004
durata/time: 7’
video digitale su dvd/digital video on dvd

16/ DALLE STALLE ALLE STELLE
autore/artist: Gianluca Codeghini
anno/year: 1993
durata/time: 21’ 10’’
video 8 su dvd/ video 8 on dvd

17/ AURA
autore/artist: Maurizio Mercuri
anno/year: 2002-2004
durata/time: 1’ 10’’
vhs su dvd/vhs on dvd

18/ STUNDÀIU
autore/artist: Luca Vitone
anno/year: 2000
durata/time: 14’ 10’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

19/ BIRD FLU / VOGELGRIPPE 1st STEP
autore/artist: Stefano Cagol
anno/year: 2006
durata/time: 5’ 09’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

20/ SUMMERHILL
autore/artist: Andrea Crociani
anno/year: 2005
durata/time: 9’ 20’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

21/ INFRANGIBBILE
autore/artist: Annalisa Cattani - Elio Rontini
anno/year: 2005
durata/time: 3’ 30’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

22/ IM#9
autore/artist: Maurizio Bolognini
anno/year: 1988
durata/time: 4’
video digitale su dvd/digital video on dvd

23/ CIÒ CHE È PERMESSO DISTRAE DAL POSSIBILE
autore/artist: Rossella Biscotti
anno/year: 2004
durata/time: 10’
video digitale su dvd/digital video on dvd

24/ FIORI SELVATICI DEL SUD
autore/artist:Chiyoko Miura
anno/year: 2006
durata/time: 40’
video digitale su dvd/digital video on dvd

25/ TRANS-SOSTANZE
autore/artist: Fabrizio Rivola
anno/year: 2005
durata/time: 8’ 55’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

26/ DÉNOUEMENT
autore/artist: Sophie Usunier
anno/year: 2003
durata/time: loop
mini dv su dvd/mini dv on dvd

27/ DO NOT TREAD ON THE FLOWER BEDS
autore/artist:Marcello Simeone
anno/year: 2005
durata/time: 13’ 30’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

28/ 21st, JUNE
autore/artist: Döerte Meyer
anno/year: 2002
durata/time: 2’ 51’’
video digitale su dvd/digital video on dvd

29/ ON THE TURN
autore / artist : Barbara Fässler
anno / year : 2004
durata / time : 3’ 28’’
tipo / type :video digitale su dvd/digital video on dvd

30/ IN NATURA
autore / artist: Simone Barresi
anno / year : 2005
durata / time : 11’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

31/ CROSSING SHORES THOUGHT
autore / artist: Dubravka Vidovic
anno / year: 2001
durata / time: 3’ 12’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

32/ LA CACCIA
autore / artist: Santa Oborenko
anno / year: 2003
durata / time: 7’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

33/ DOMANDE D’IDENTITÀ
autore / artist: Cesare Viel
anno / year: 2003
durata / time: 18’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

34/ THOUGHT, COME FAR RIVIVERE UN LUOGO
autore / artist: Fabrizio Basso
anno / year: 2004
durata / time: 8’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

35/ GARDEZ LES PIEDS À PLAT
autore/artist: Roberta Piccioni
anno/year: 2006
durata/time: 1’ 54’’ in loop
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

36/ “CODEC” #1
autore / artist: Sergia Avveduti
anno / year: 2003
durata / time: 2’ 57’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

37/ THE BUILDING
autore / artist: Davide Bertocchi
anno / year: 2004
durata / time: 4’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

38/ M+M IN VENEDIG
autore / artist: M+M
anno / year: 1993
durata /time: 3’ 29’’
tipo / type : super 8 su dvd/super 8 on dvd

39/ INTERVISTA A PEPPE GESÙ
autore / artist: Chiara Guarducci
anno / year: 2006
durata / time: 9’ 22’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

40/ FLASH LOVE
autore/artist: Marco Raparelli
anno/year: 2005
durata/time: 2’ 44’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

41/ LE VISIONI DAL VUOTO
autore / artist: Enrico Vezzi
anno / year: 2005
durata / time: 5’ 52’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

42/ BIANCO 2
autore / artist:Anna Rossi
anno / year: 2003
durata / time: 4'36"
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

43/ DON'T GO BREAKING MY HEART
autore/artist: Maura Banfo
anno/year: 2005
durata/time: 2'50"
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

44/ PENSIERO UNICO
autore/artist: Cesare Pietroiusti
anno/year: 2003
durata/time: 5'40"
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

45/ MERRY RAMADAN
autore/artist: Stefano Romano
anno/year: 2003
durata/time: 1'34"
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

46/ AUTOBIOGRAFIA DI UNA CASA
autore/artist: Alice Guareschi
anno/year: 2002
durata/time: 50'
tipo / type : video 8 su dvd/video 8 on dvd

47/ PERFECT LOVE
autore / artist: AMAE artgroup
anno / year: 2002
durata / time: 15' 30''
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

48/ SALTO
autore / artist: Alberta Pellacani
anno / year: 1996
durata / time: 7'
tipo / type : Hi8 su dvd/Hi8 on dvd

49/ A PROPOS DU VERRE
autore / artist: Alessandra Andrini
anno / year: 2006
durata / time: 25'55'' LOOP
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

50/ CARBURAZIONE
autore/artist: Domenico Mangano
anno/year: 2004
durata/time: 1' 30''
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

51/ UNA CANZONE PER L’INVERNO
autore / artist: Cuoghi Corsello
anno / year: 2002-2006
durata / time: 5’44’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

52/ TORNESS 1979
autore / artist: Robert Pettena
anno / year: 2004
durata / time: 1:14’37’’
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

53/ LOCH NESS
autore / artist: MALA. Arti Visive
anno / year: 2002
durata / time: 0' 45''
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

54/ RICCIONE PAESE 2
autore / artist: Marco Fantini
anno / year: 2005
durata / time: 2' 57''
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

55/ CUT SONG
autore / artist : Bartolomeo Migliore
anno / year : 2006
durata / time : 1' 40''
tipo / type : video digitale su dvd/digital video on dvd

Playlist a cura di Valentina Bernabei

2009-01-20T10:41:00.000-08:00

Da Chateau Marmont a you tube

Chateau Marmot è il nome dell’hotel di Los Angeles le cui stanze dal 1939, anno in cui è stato fondato, a oggi, hanno ospitato più musica di qualsiasi altro hotel. Molti musicisti hanno composto in quei bungalow con vista mozzafiato sulla California, alcuni hanno cercato l’ispirazione invano, altri, ancora, l’hanno cacciata. Musiche composte e sedie spaccate, da Jim Morrison ai Red Hot Chili Peppers: tutto in un luogo solo. Ascoltare e produrre musica oggi, invece, non presuppone un luogo unico e definito. La rete ha cambiato definitivamente la fruizione del suono. Sentire musica e vedere immagini nello stesso tempo richiede sempre meno fisicità: onde radio, cablaggi, zone wireless, immagini in movimento, comunicazione e tecnologia hanno fatto si che, nel tempo, avvenisse una vera e propria deterritorializzazione. Si sfugge all’immobilità delle architetture e anche l’audiovisivo diventa liquido, dilaga in mille forme e in mille spazi, urbani, virtuali e visivi. Così parallelamente la nostra percezione della musica o meglio della musica + immagini si è modificata, a partire dall’evoluzione del videoclip (dagli inizi performativi passando per i clip narrativi e per finire a mescolarsi senza confini con la videoarte) fino alla più recente diffusione di you tube (da cui provengono tutti i video presentati in questa playlist). Il videoclip non è più soltanto il mezzo espressivo che la semiotica definisce “testo breve”. Racchiude tutta un’altra storia: quella degli artisti visivi e dei musicisti che hanno iniziato a confrontarsi, mescolando i linguaggi, cambiando registro, inventando nuovi codici. Registi affermati, artisti con stili ben definiti hanno messo il proprio immaginario a servizio della musica e dei musicisti, sfondando i muri di vecchie stanze d’albergo ormai strette per contenere solo la propria arte. Da Darek Jarman che nel 1986 gira il videoclip “The queen is dead” per The Smiths a Damien Hirst che nel 1995 incuba tutta la sua verve da young british artist (compaiono già i “teschi” ma ancora non sono ricoperti di diamanti) in “Country House” dei Blur, passando per Caterina Notte che, con “Toxic”, attua una vera e propria Self-reflexive parody, forma testuale spesso usata nel videoclip, in cui il testo del clip è la parodia del videoclip stesso. E poi ancora Anton Corbijn, fotografo e regista olandese il cui nome è spesso stato associato al mondo musicale, soprattutto ai nomi di Depeche Mode e dei Nirvana, per cui ha firmato diversi videoclip arrivando a vincere nel 1993 l’Mtv Music Award per “Heart Shaped Box”, brano del gruppo di Seattle. Spike Lee plasma con il suo inconfondibile stile il videoclip del gruppo hip hop Public Enemy, con cui inizia a collaborare per la colonna sonora del film “Fa la cosa giusta!”: il risultato è il video del brano “Fight the power”, diventato alla fine una sorta di manifesto del gruppo stesso. Parte dal cinema anche il video della canzone “Stay (Faraway, So Close!)” degli U2: il film in questione è “Così lontano così vicino” realizzato da Wim Wenders nel 1993. Bono e soci hanno scritto il brano inserito nella colonna sonora del film e il regista ha realizzato il videoclip, che include scene girate appositamente e scene del film stesso. Registi e musicisti lavorano insieme anche in “It’s Oh So Quiet” di Björk: Spike Jonze riprende l’esibizione della cantante come se si trattasse di ironico musical, in cui il brano cantato è una sorta di ritorno al passato, visto che It’s Oh So Quiet è una cover di “Blow a Fuse” cantata parecchi anni prima, in maniera quasi identica, da Betty Hutton. Michel Gondry per i Chemical Brothers crea una clip meno romantica e più tecnica: il video di “Let forever be”, realizzato con diverse tecniche tra cui quella del morhing, riprende una ragazza che vive in diversi contesti, senza stacchi, sospesa tra dimensione reale e dimensione onirica e virtuale. Infine la playlist si chiude con “When are you gonna start” di Planning To Rock, dietro il cui nome si cela la perfomer tedesca Janine Rostron, che da anni porta avanti il suo progetto solista in cui vengono create insieme musica e visual art, sempre proiettata durante le sue imperdibili performance live.
Derek Jarman “The queen is dead” per The Smiths

Playlist a cura di Elio Grazioli

2008-12-15T07:52:00.000-08:00

Succede proprio come dice uno degli artisti presenti in questa playlist: il collage, il montaggio, la list si fa nella nostra mente. Guardiamo tanti video, qualcuno resta in mente e da allora cerca la sua sistemazione in sequenza, il suo posto nell’incrocio dei nostri pensieri, immagini, esperienze, torna in mente, per una qualche forma di rapporto si accomoda accanto a un altro. Poi, se nasce l’occasione di metterli in fila, ecco che emerge un senso, non propriamente un percorso, una trama, ma, per me, perfino di più: direi un corpo, nel senso che l’insieme prende vita e sembra muoversi per conto suo. Anche di questi tempi così critici, così scuri, penso io, ma anche così disponibili alla poesia. Interpreto così, per primo, la sequenza che ho realizzato per questa occasione: un inizio esplosivo, un finale triste con la coda di un silenzio voluto, creato, “sonoro”; in mezzo un corpo, una nascita, o meglio un risveglio, con giochi di riflessi, tagli, buio e luci, rovesciamenti, suoni anche bruschi, piccole magie, anche. Un corpo questo, nelle mie intenzioni, non compatto, solido, muscoloso, ma che cerca piuttosto la sua consistenza attraverso la materia dell’immagine, il tempo della percezione, la condizione di spettatore, insomma un corpo video.

Fantastic Voyage di Mattia Matteucci & Elena Bordignon e Autoritratto di KINGS

2008-12-12T08:05:00.000-08:00

Fantastic Voyage
Rapina filmica – video di Mattia Matteucci & Elena Bordignon

Panoksky diceva: “Se tutti i poeti, i compositori, i pittori e gli scultori fossero obbligati dalla legge ad interrompere le loro attività, una piuttosto piccola frazione di pubblico se ne accorgerebbe, e una ancora più piccola ne sarebbe seriamente dispiaciuta. Se la stessa cosa succedesse con i film, le conseguenze sociali sarebbero catastrofiche”. Era il 1934.
Oltre 70 anni dopo siamo pervasi da immagini e per le immagini uccidiamo. Quando sogniamo o parliamo, lo facciamo per immagini: l’immagine è il portale sociale più importante da cui entrare o uscire. L’immagine deve essere ovunque. L’immagine deve essere. Parlare da sola e/o farlo per noi.
Da blob a youtube, i film si vedono dove/come si po’. Il tempio del cinema è crollato e l’ipod video ha aperto nuovi percorsi estetici della visione: il disturbo, l’interruzione, il cambio di soggetto, l’unione imprevedibile, ingiusta. Amalgamare, scomporre, ridurre, astrarre, legare, torcere, sopprimere. Amplificare, moltiplicare. Gioco di specchi per specchiarsi: deformati o più belli. Più magri, perbene. Ossessione dell’occhio che fa cortocircuito con la mente. Mente che si crede collettiva, quando in realtà è solo una mente individuale che individualizza ogni cosa.
Crediamo/pensiamo di esserci liberati dalla morale e l’assimilazione è più veloce della proposta, ma allo stesso tempo siamo molto più vicini alla metafora.
E l’immagine è pura metafora. Il cinema è metafora.
L’importante è mettere a fuoco, con i sensi ma non sensibilmente, la metonimia di ogni linguaggio cinematografico: la parte per il tutto, il dettaglio per l’insieme, l’aneddoto per l’essenza: perché questo è l’ideoletto che anima l’occhio. Il mio occhio. Da qui il proliferare di video fatti in casa, da amateur, da dilettante, da perditempo, da finto e presunto regista del quotidiano che si pensa memorabile quando non lo è mai a sufficienza: scimmiottare il visto o lo stravisto. Scimmie del cinema e per il cinema. Corto circuito facile e luogo comune per teorici a venire.
Di metafora, si diceva; di ribaltamento dei significati sulle immagini; di abbandono improvviso della parola, della sceneggiatura, della profondità dei personaggi, della bella storia, emerge il montaggio, l’accalcarsi delle immagini come dopo una valanga verso valle: Michelangelo Antonioni assieme a Peter Berg e a Timur Bekmambetov, Rob Cohen intrecciato a Fellini, Warhol e Wayne Kramer accanto a video di youtube e video porno: l’ipotetico viaggio verso la distruzione dell’uomo, un fantastic voyage privato dai significati di una storia (non a caso si parte con Richard Fleischer).
Ritornare al corpo, partendo da una solitudine, fino ad arrivare all’accoppiamento più selvaggio.
“Ho dell’altro di meglio da fare che lavorare, devo andare al bagno”.
Nude restaurant – Andy Warhol

Autoritratto
video di KINGS

Punk, punk punk! solo stò Punk.
Arriva F. toglie il vinile dei CHKCHKCHK!!! La puntina rovina il disco, ma chissenefrega e mette Peaches.
Ritorna D. toglie Peaches e mette i Blood Brothers.
Hard Core???? No! Basta!
F. toglie con cattiveria punk e mette le sue musiche yiddish.
D. ritorna. Cambia musica.
F. balla, si dimena. Fa brutti gesti. Cravatta? Mutande? Calze? No? Si? Ma si!
F. ricambia vinile.
D. balla, salta, si toglie la camicia, ritorna alla console e tira i pugni sui dischi.
Jamie Lidell, Aphex Twin, Farinelli, Some Girls, Trentemolle, Nina Simone, chkchkchk!!!, Bad Brains, Black Flag, Dead Kennedys, J.Brel, Gossip, Dave Brubeck Mike Patton..., dai, dai, cambia, dai metti un altro disco, dai, muoviti!
Punk, punk, punk.
Fuck.

Andrea Lissoni presenta invernomuto

2008-12-03T02:56:00.000-08:00

Perspectives on Archive

Quanto la rete ha cambiato la percezione e la rappresentazione degli spazi urbani? E quanto invece ha pesato la possiblità di muoversi velocemente e a basso costo? Esiste oppure no l’immaginario di una generazione che frequenta sia Youtube sia i voli low cost, e che sta raccontando - eventualmente con nuovi o altri codici - trasformazioni evidenti e suture inaspettate, più di quanto lo facciano le nuove architetture o le grandi installazioni? il progetto Check-in Architecture ha funzionato come una piattaforma sviluppata per costruire un progetto di ricerca partecipativa, alla cui base stavano queste domande. 600 studenti sono stati invitati a raccontare pezzi di città, eventi artistici, culturali, musicali, popolari, modi di condivisione degli spazi, dei gusti, dei comportamenti, attraverso la produzione di piccoli documentari di più o meno tre minuti.

Ecco perchè, alla richiesta di neon>campobase di produrre una playlist Youtube, ho pensato di suggerire un'altra ipotesi, che lavorasse su un materiale preesistente e che funzionasse come un metaprogetto. Non una playlist ma il risultato di uno scavo d'autore dentro un canale tematico di quella melassa informe, contraddittoria e perversamente appiccicosa che è Youtube.
"Perspectives on Archive" è dunque una lunga suite video a cura di Invernomuto che seleziona, reinquadra e giustappone sequenze da tutti i materiali girati e rimasti "esclusi" dai montaggi delle missioni realizzate da studenti e autori di Check-in Architecture visibili su YouTube. Ne emerge da una parte una rappresentazione possibile dell’”indistinto europeo” - quel paesaggio che sfugge alle rappresentazioni olografiche e stereotipate dall’iconografia turistica - e, dall’altra, un mondo di piccole performance e gesti di riappropriazione temporanea negli spazi urbani e suburbani. "Perspectives on Archive" trasforma un materiale apparentemente di scarto in un flusso audiovisivo ritmato da una colonna sonora di strati di suoni sovrapposti che scorre e avanza evidenziando man mano come l’inconscio visivo contemporaneo si intrecci con il lento ed inesorabile processo di formazione dell'immaginario urbano e forse culturale del presente.

invernomuto nasce nel 2003 come gruppo di sperimentazione audiovisiva.
Ponendo l’accento sul collasso e la commistione di linguaggi l’operato del gruppo si concretizza in produzioni fuori formato come il progetto editoriale ffwd_mag, focalizzato sulla relazione tra immagini e suono, ricerca che si espande nella produzione di video, nella progettazione di live-media performances e nella curatela di eventi e progetti speciali.

invernomuto born in 2003 as an audio-visual experimental group emphasizing the collapse and mixture of languages, it produces out-of-size works such as ffwd_mag, a publishing project focused on the relationship between images and sound whose research extends to the production of single-channel video, design of live-media performances and curatorship for events and special projects.

Playlist "Isola nostra"

2008-11-21T14:17:00.000-08:00

Alberto Pesavento-ufficio Out presenta "isola nostra", il documentario realizzato da Bert Theis e Vincenzo Latronico.

Isola Art Center ha alle spalle sette anni di storia. Dal 2003, il Centro ha lavorato con il Forum Isola alla riconversione dell’edificio industriale della "Stecca degli artigiani" in un Centro per l’arte e il quartiere. Lo spazio della "Stecca" ha permesso ad artisti, critici, curatori, filosofi e abitanti di creare il luogo più dinamico di Milano nell’ambito della ricerca artistica contemporanea. Il Centro è tutt’oggi un laboratorio che offre all'arte contemporanea una piattaforma di sperimentazione, lavorando in una logica interdisciplinare, internazionale e al contempo radicata nel tessuto sociale locale, al fine di opporsi a decisioni politiche e urbanistiche negative per il quartiere. Dal 2001 gli abitanti si sono impegnati in un’intensa attività per difendere il loro unico vero spazio pubblico, la Stecca e i giardini adiacenti, destinato ad essere privatizzato. Lo stesso anno iniziano anche i primi interventi d’arte contemporanea. Nel 2002 negli spazi della Stecca nasce out, Ufficio per la Trasformazione Urbana, luogo di ritrovo di artisti, architetti, critici e curatori, nonché delle associazioni del quartiere. A partire dal 2003, Isola dell’Arte lavora per la creazione di un Centro per l’arte contemporanea. Durante gli anni, le opere di artisti come Stefano Arienti, Massimo Bartolini, Tania Bruguera, Loris Cecchini, Gabriele Di Matteo, King’s, Luca Pancrazzi, Dan Perjovschi, Marjetica Potrc o Vedovamazzei, concepite per la struttura architettonica dell’edificio, entrano a far parte di una ideale "collezione permanente" del Centro. Isola Art Center viene ufficialmente inaugurato nell’aprile 2005 dall’Assessore alla Cultura della Provincia di Milano. Oggi fa parte della rete inContemporanea, e ha ospitato importanti progetti culturali e sociali tra cui: Love Difference, Osservatorio inOpera, Werkstatt, Stazione Isola, Millepiani, Undo.net, Forum Isola. L’insieme di queste associazioni, con artisti come Tomas Saraceno, ha dato forma ad un progetto innovativo di un Centro per l'Arte e per il Quartiere nei giardini dell'Isola. Finora Isola Art Center ha organizzato 29 mostre con opere di più di 200 artisti, 13 progetti speciali e 28 incontri, che hanno portato all’Isola artisti dai 5 continenti, spesso ospitati dagli abitanti. Negli anni il Centro ha collaborato con docenti e studenti di numerose Accademie ed Università. Il Centro gode tutt’oggi di un notevole riconoscimento a livello internazionale ed è stato di recente invitato al Museo Mamco di Ginevra, alla Biennale di Istanbul e al Goldsmiths College di Londra. Nell’aprile 2007 il Comune di Milano e la multinazionale Hines hanno sgomberato Isola Art Center e tutti gli artigiani e le associazioni, dando inizio alla demolizione dell’edificio, che ha causato la distruzione e il danneggiamento di numerose opere d’arte. L’operazione è servita a consegnare il palazzo e i giardini alla multinazionale, che aspira a costruire edifici per un totale di 90 mila metri cubi. L’ultimo progetto, disegnato da Boeri Studio, prevede tra l’altro parcheggi sotterranei, residenze di lusso e due torri alberate chiamate "bosco verticale". I cittadini dell’Isola hanno presentato cinque ricorsi al TAR Lombardia, che ha annullato il permesso di costruire un’area commerciale di 30.000 metri cubi sui giardini concesso al gruppo Ligresti. L’associazione ChiamaMilano, in sinergia con le organizzazioni del quartiere ha presentato la proposta alternativa "Il Parco Possibile", approvata poi dal Consiglio di Zona 9. Il forte radicamento nel territorio ci ha permesso di sopravvivere allo sfratto e di continuare le attività scegliendo come spazio di azione il quartiere stesso. Ospiti di altri spazi, quali associazioni, negozi, spazi pubblici, si è creato un terreno di gioco delle partecipazioni che ha aperto nuove possibilità. Il braccio di ferro tra abitanti e artisti da una parte, e Comune di Milano e operatori privati dall’altra non è finito e nessuno può ancora dire quali saranno gli esiti finali.

Playlist di Gerald Grestenberger d-g-v, Jacob Lena Kebl e Daniela Comani.

2008-11-14T01:20:00.000-08:00

Selezione a cura di Gerald Grestenberger d-g-v, Jacob Lena Kebl e Daniela Comani.

In occasione della mostra I QUEERELANTI ospitata in galleria, sarà proiettata una selezione di video legati alle tematiche del gender.

Il progetto espositivo nasce dalla mostra "die Queerulanten innen/außen", tenutasi a Vienna dal dicembre 2006 al gennaio 2007 nello spazio indipendente ’auto’ (www.parking-lot.org).
La mostra - che in italiano ha titolo "i queerelanti" - non ripropone la stessa struttura e le stesse opere presentate nella mostra viennese, ma è il proseguimento selezionato e ampliato di quella mostra. Il concetto sviluppato in questa proposta è quello di dare dinamica alla molteplicità delle posizioni artistiche in rapporto ad una serie di campi tematici queer e dintorni.
Rispetto alla mostra tenutasi a Vienna l'edizione italiana è stata concepita come work in progress, sovrapponendo così ai lavori già esposti nuovi artisti, lavori, film, video-clip, e privilegiando la scelta di un modello operativo interdisciplinare.

I campi tematici/concettuali sono:
il carattere de-/costruttivo dell'identità sessuale, matrix eterosessuali, transidentità, "io", inter-soggetività, performatività come atto sovversivo, classificazione delle razze, classificazione, la messa in discussione del biologismo, paradosso/i, ipertesto, hate crime, il concorso della messa in scena di differenze sessuali ed etniche, il margine di manovra per il soggetto, analisi di conversazione, campi di associazione, sinestetica, differenzialismo, cyborg, mascolinità femminile, femminilità maschile, maschi eterosessuali lesbici, butch, male lesbian, female gay, butch butch, femme femme, maschi biologici, ...spaziature, femminismo, interdiscorso, riproduzione di stereotipi culturali, "originale", "copia", riconoscenza, blackness, whiteness, interracial colors, quando la società si transifi-..., yo yo yo, patchwork "identity", attrezzi operatori, translation, transfer, pre trans-... post trans-..., translocazione, attivismo politico, trasformazione, testosterone junkies, body fascism, totalitarism, ricerca di costruzioni culturali di spazi e confini, collegamenti di rete, offspace.

“i queerelanti“ è un tentativo di ampliare i campi di gioco intorno alle costruzioni di sessaulità e identità, rapportandosi ai metodi e ai processi di rappresentazione nel sistema artistico. Nella mostra saranno presenti altrettanti/tanti lavori nell’ambito di diversi media, dal video alla fotografia, dal disegno all’installazione. Alcuni esempi tra i lavori esposti: il poster autobiografico di Jakob Lena Knebl che racconta le varie fasi di identità sessuale dell'artista stessa dall’infanzia fino ad oggi. Il corpo come strumento tra gestualità, rituale e messa in scena di se stessi nei lavori fotografici di Matthias Herrmann. Il ribaltamento/capovolgimento dei generi sessuali nella cultura hiphop nel video musicale di Christine Lang interpretato da Quio. Le serigrafie di Kerstin Drechsel con fantasie tratte da porno lesbici. La videoinstallazione di Gitte Villesen dove viene intervistata Jessie Tandberg, transessuale danese, che racconta disavventure e sogni in una piccola cittadina di provincia. Il gioco sovversivo di Daniela Comani che utilizza stereotipi eterosessuali per ricostruire scene di vita quotidiana di coppia, dove lei stessa interpreta entrambi i ruoli. Una versione DVD dei mitici film super 8 di Hans Scheirl che già all'inizio degli anni ottanta proponeva temi come sessualità e gender.

Artisti:

Dorothee Albrecht (DE), Dafne Boggeri (IT), Monica Bonvicini & Jan Ralske (IT/DE), Gregg Bordowitz, Kaucyila Brooke (USA), Daniela Comani (DE/IT), das em, Katrina Daschner (AT), Natalie Deewan (AT), Kerstin Drechsel (DE), Gerald Grestenberger d-g-v (AT), Matthias Herrmann (AT), IF, Jakob Lena Knebl (AT), Christine Lang (DE), Dorit Magreiter (AT), Bruce la Mongo (AT), Ulrike Müller (AT), Georg Petermichl & Martin Sulzbacher (AT), Fiona Rukschcio (AT), Hans Scheirl (AT), Stefanie Seibold (AT), Sabine Schwaighofer (AT), Viktoria Tremmel (AT), Gitte Villesen (DE/DK), Anthony Wagner (AT), Ming Wong (DE/SGP), z.b. (AT)

Video
Two movie by Jessie, Gitte Villesen
Videoatlas II, Dorothee Albrecht
Lerne Deutsch mit Petra von Kant
Rising Tide, Kristine Lang
Crazy in love, Petermichl e Sulzbacher
Deja Vu, Petermichl e Sulzbacher
Sometimes you fight for the world, sometimes you fight for yourself, Pauline Boudry e Renate Lorenz
Stay in the costume, stay in the frame, A. Livingstone, A. Baehr, A. Quirynen
Sync point, Isabelle Spengler e Larry Peacock
Staub, Monica Bonvicini e Jan Ralske
Jok, Dorith Margreiter

Playlist di ottobre da Ciboh, Milano

2008-11-12T06:36:00.000-08:00

PLAYLIST va a Milano!
Martedì 11 novembre 2008 dalle ore 18:30 PLAYLIST si trasferisce da Ciboh proponendo un "best of" delle selezioni viste a Bologna negli spazi di neon>campobase ad ottobre.

Ciboh è un collettivo, fondato nel 2003 a Milano da Silvia Barna, Natascia Fenoglio.
CIBOH da “Cibo”, in omaggio al materiale con cui lavorano. Perché è duttile e variegato e il suo impiego può dar vita a infinite soluzioni estetiche. Perché il nutrirsi può trasformarsi in un rito che aggrega e invita alla socializzazione. Poi hanno aggiunto una “h” che trasforma l’ultima sillaba del loro nome in un “BOH” di apertura alla perplessità, al quesito, all’imprevisto. Propongono catering improbabili , abiti e gadget commestibili. Fondono arte, gioco e vita quotidiana usando il cibo non tanto come alimento, ma come materiale di costruzione per creare mondi curiosi e un po’ infantili. Sono cuoche-ingegnere che producono mirabilia cambiando colori, materiali e funzioni delle cose, confondendo ambiti, capovolgendo situazioni. E’ così che la tradizione (di certi alimenti, dell’atto del nutrirsi, del banchetto) si incontra con l’innovazione (della tecnica, del design, delle nuove relazioni nella società dei consumi). Per farci tornare un po’ bambini grazie all’ingegno degli adulti.

CIBOH Milano
via clusone di fronte al civico 6
tel 333 6840931

Playlist di neon>campobase

2008-11-06T12:50:00.000-08:00

La Germania e l'ambiente mitteleuropeo hanno invaso gli spazi di neon>campobase. Se "I Queerelanti" ha rivestito la galleria di suggestioni legate al gender, PLAYLIST dà spazio al suono, indagandone le possibilità quando legato all'immagine.
Per questo, con una selezione eccezionalmente pensata in casa, abbiamo rivolto lo sguardo al territorio più prolifico in fatto di simbiosi tra musica e immagine in movimento
guardando alla Germania dei nostri giorni per ripensare i confini dei generi musicali e per abbattere le barriere tra le discipline artistiche e la tradizionale ieraticità delle formazioni musicali.

Formatisi a Documenta '97, i Rechenzentrum, ovvero Lillevän (film/video) e Marc Weiser (elettronica), sono da sempre alla ricerca di nuovi processi nella produzione di musica e video, nel tentativo di ridefinire le forme di rappresentazione che danno vita a un dialogo on stage tra suono e immagine. Sin dalla nascita, i Rechenzentrum hanno dato vita a una band unica: animazioni, quicktime movies e DVD sono parte integrante del lavoro, non un bonus o una sorta di miglioramento. Con ogni album si sono mossi sempre più verso un ideale di prodotto audio/visivo concentrato e simbiotico, in cui audio e video hanno la stessa importanza; dove il video è usato come uno strumento, e il suono si lascia trattare visivamente. Il loro album più noto si intitola Director's Cut e alla data della sua uscita, nel 2003, ha rappresentato un vero e proprio album seminale per l'intera scena di sperimentazione audiovisiva. Il suo legame con la musica di ricerca e con il movimento trasversale tedesco ha permesso a questo disco di diventare una pietra miliare del nostro tempo, poiché i due media artistici (audio e video) venivano finalmente intesi come un unicum stilistico invece che come due semplici mezzi da accoppiare senza criterio. L'utilizzo del dvd come formato più ovvio per l'uscita del disco ha rappresentato un'altra svolta concettuale, sia nel superamento dei vecchi standard cd sia come spazio fisico su cui riversare soluzioni formali e artistiche che hanno una fortissima impronta cinematografica. La Mille Palteaux Label, legata alla vera ricerca sonora (da John Cage ai giorni nostri), si è fregiata di inserire Director's Cut nel suo catalogo, promuovendo un disco che resterà capostipite di una nuova scena musicale. Il leitmotiv è sempre stato per i Rechenzentrum la ricerca di ciò che giace sotto la superficie della musica o dell'immagine video, in un continuo tentativo di portare il potenziale del suono e dell'immagine a nuovi livelli di comprensione, che interrogano il ruolo dell'artista e del pubblico. I luoghi delle performance sono molteplici: suonando in musei, new music festival, ma anche con le varie scene underground, i Rechenzentrum hanno portato i loro progetti in spazi come il Museum Ludwig a Colonia o il leggendario Chemical Suzie di Hong Kong.

I Tarwater sono un duo residente a Berlino, formato dal batterista e cantante Ronald Lippok e dal chitarrista e programmatore Bernd Jestram. I due sono sulla breccia da una decina d'anni, e nel frattempo Lippok ha anche collaborato con la band post-rock dei To Rococo Rot, nella quale milita il fratello Robert. A differenza di questi ultimi, si può dire che l'approccio dei Tarwater sia più immediato e quasi pop, anche se la loro elettronica eterea disegna spesso ambienti oscuri, statici e freddi.
Dalla collaborazione con i Rechenzentrum, in particolare con Lillevan, nasce Tesla.

Tarwater, Witch Park, 2006, 4'28''. Directed by Niclas Ritter.
Rechenzentrum, Director's Cut, 2003, 58'. Directed by Lillevän.
Tarwater, Tesla, 2002, 4'40''. Directed by Lillevän.

Playlist di Teresa Iannotta

2008-10-22T13:29:00.000-07:00

Omaggio a

Nuovo: In genere, di cosa fatta o avvenuta o manifestatasi da poco, spesso in contrapposizione diretta a vecchio, antico, e quindi con significato prossimo a recente, attuale, moderno, ma con notevole varietà di accezioni (...)

Originale: Che non dipende o non è ispirato, suggerito, da altri esempi o modelli, che non ha somiglianza con altre opere analoghe, e ha quindi una sua novità, un suo carattere proprio (...)
Vocabolario della Lingua Italiana, Istituto Enciclopedico Treccani

Sul concetto di "nuovo" e "originale" si è dibattuto spesso in ambito contemporaneo. Vi è talvolta una sovrapposizione dei due termini, e il loro significato è spesso assimilato o frainteso, mentre è proprio nella piega tra i due che si nasconde il tema della proiezione di questa sera.
La cultura contemporanea si nutre spesso - in alcuni casi del tutto consapevolmente, in altri suo malgrado - dell'immaginario originato dal passato, e ciò è naturale e inevitabile.
Questo vale tanto nelle arti visive, quanto nella musica, nel cinema, nelle arti performative e in ogni ambito creativo che richieda il generare immagini e idee, compresa la cosiddetta cultura pop con il suo enorme bagaglio composto da videoclip, film, cartoni animati e serie televisive.
Ma come si può definire una proprietà delle immagini o delle idee una volta che esse siano state impiegate?
Spesso gli artisti contemporanei hanno riutilizzato nei propri lavori citazioni più o meno manifeste provenienti dalla cultura alta o popolare di un passato più o meno prossimo, con uno spostamento di piani spesso ribattezzato "omaggio a".
Ma in che cosa consiste davvero un omaggio? Quando si tratta di una reale operazione artistica legittima e quando invece questo termine è usato semplicemente come giustificazione per una mancanza di inventiva o originalità?
Succede talvolta di fronte a lavori troppo ermetici, di scoprire a posteriori che si tratta proprio di un omaggio a qualche artista dal nome altisonante, e di non riconoscere ad un primo sguardo né la mano dell'autore né quella dell'artista cui si è dedicato il proprio lavoro.
Succede invece altre volte di emozionarsi nel rintracciare in un lavoro inedito i segni di un immaginario ancora nascosto e sedimentato in una parte di noi, pronti ad uscire al primo richiamo.
Ho ritenuto interessante rintracciare alcuni esempi di "omaggio a" e delineare, per il progetto PLAYLIST, una sorta di mappa che coinvolga arti visive, musica, cinema e cartoni animati, in una serie di rimandi talvolta seri, ma più spesso ironici, volendo deliberatamente evitare un percorso interamente legato all'arte contemporanea.
Tutti i video sono stati scaricati da Youtube, sacrificando forse un po' di qualità, ma approfittando a piene mani della enorme quantità di materiale a disposizione.
Buona visione, e auguro a tutti di trovare, tra un telefilm vintage e una band indie, l'"omaggio a" che fa per voi.

Teresa Iannotta (Roma, 30 maggio 1981) è una giovane curatrice residente a Padova, ma in partenza per Rotterdam. Laureata allo IUAV di Venezia in Progettazione e Produzione delle Arti Visive, ha completato la sua formazione con un periodo di internship presso due enti non-profit per l'arte contemporanea di New York, l'Independent Curators International e il Public Art Fund. Dal 2003 collabora con la sede padovana dell'Archivio dei Giovani Artisti Italiani, e nel 2007 ha co-curato due mostre collettive a livello nazionale, Quotidiana e Gemine Muse. http://www.blogger.com/img/blank.gif
Collabora con vari spazi non-profit e la sua ricerca è indirihttp://www.blogger.com/img/blank.gifzzata in particolare al lavoro di giovani artisti con valenze sociali e politiche e all'arte pubblica. Ha appena concluso il CECAC, Corso Europeo per Curatori d'Arte Contemporanea organizzato dalla Fondazione Ratti in collaborazione con la Provincia di Milano con il Visiting Professor Charles Esche.

Playlist 1

Douglas Gordon - 24 hours psycho

Be kind rewind

Beastie boys - Sabotage

Red hot chilly peppers - Can't stop

The smashing pumpkins - Tonight tonight

Luca lumaca - Set the world on fire

Vanessa Beecroft - VB61 in Venice

Gus van Sant's VS Hitchkock Psycho

Weezer - Buddy Holly

Playlist 2

Tim Burton – Ed Wood

Quentin Tarantino – Death Proof

Frida Kahlo Movie

Foo Fighters – Big Me

Across the Universe – Hey Jude

Sofia Coppola - Marie Antoinette

Pop goes my heart

Blur - The universal

Playlist di Luca Lo Pinto

2008-10-17T07:43:00.000-07:00

Anton Szandor LaVey via Kenneth Anger via Cerith Wyn Evans via Michael Clark via Jens Lekman via Arthur Russell via Johanna Billing

di Luca Lo Pinto

Oulipo è il nome del laboratorio di letteratura potenziale fondato negli anni 60 da Raymond Queneau e Francois Le Lionnais e del quale fecero parte anche Italo Calvino e Georges Perec. La loro idea era di realizzare opere letterarie applicando delle formule matematiche, una sorta di associazionismo razionale. Prendendo liberamente spunto dagli scritti di Oulipo ho pensato di selezionare dei video trovati su Internet seguendo un percorso associativo razionale ed irrazionale nello stesso tempo. I links ai diversi video sono in alcuni casi più evidenti ed in altri no, ma non mi interessa appunto spiegarli, spero che ognuno possa trovarci dei legami. Musica coreografia, cinema arte ed occultismo. Alcuni video sono dei veri e propri lavori come quello di Kenneth Anger, altri documentazioni come quelli di Cerith Wyn Evans e Michael Clark. Altri ancora testimoniano aspetti meno conosciuti di alcuni personaggi: la passione per il calcio di Mark E. Smith frontman dei The Fall. Buona visione.

Titoli e links dei video

Anton Szandor LaVey - Church of Satan - Anton Szandor LaVey - performing marriage

Cerith Wyn Evans - Eaux d'artifice (after K.A.)

Michael Clark - Michael Clark (Hail The New Puritan)

Mark E. Smith - Mark E Smith reads the football results

Jens Lekman - Jens Lekman - Maple Leaves (Live)

Arthur Russell - Arthur Russell - That's Us/Wild Combination

Johanna Billing - Johanna Billing - Another Album (trailer) 2006